ALFREDO FILLOL - Esculturas de sus manos y con comentarios personales...

De su Blog:http://www.alfredofillol.es/?p=biografia Alfredo Fillol nació en Sevilla en el año 1956 en una calle céntrica y comercial. Único varon de la familia y no habiendo más niños en la calle, Alfredo jugaba solo. Era un niño "vertical", yendo del primer piso al segundo, del segundo a la azotea, de la azotea al palomar de la azotea. Como compañeros tenía peces, ratones, serpientes y un sinfín de bichos que recogía en verano y mantenía en invierno. De esta manera desarrolló su imaginación y también una gran habilidad manual confeccionando jaulas, acuarios y palomares. Fué su manera para aprender metalistería, carpintería, cortar vidrio... Cuando cumple diecisite años se va a vivir al campo valencinero y es allí donde, poco a poco, se convierte en un hombre "horizontal". Deja los estudios, trabaja donde puede y empieza a realizar su sueño: salir al campo con sus halcones y verlos volar en libertad. Practica la cetreria, compite en moto y anda todo el día detrás de las "hembras" de su especie...Vive lo que no había vivido en su infancia. Le coge gusto al modelado y a la talla. Empieza por los veinte años, y tras un accidente de moto y seis meses de escayola y muletas, empieza a tomarse en serio lo que cada día le apasiona más: la escultura. Deja la competición y se dedica por completo a ella y a la cetrería hasta hoy. PRINCIPIOS: Éstos fueron muy divertidos a la vez que duros y trabajosos ya que tenía que trabajar, aprender y vender a al vez, exponiendo en las mejores galerías de arte: la calle, las reuniones y exposiciones caninas y eventos cetreros. SU ESCUELA: Alfredo no se considera artista, sino hacedor de animales, copia los que ha hecho la naturaleza. Hace animales en bronce y como los ve y los piensa con toda claridad, los hace con un estilo realista. Se esfuerza mucho en darles vida, que su escultura diga lo que tenga que decir por sí misma y no por el título de la obra. Desde sus principios hasta ahora si no se tarda casi un més en hacer la escultura no queda satisfecho. FUNDICIÓN EN BRONCE: En el año 1982, Alfredo compra y monta una fundición de bronce en su estudio. Funde su obra y la de otros escultores, aunque al cabo de cinco años se cansa de tanto trabajo y de tanto ajetreo empresarial y vende la fundición. Con los conocimientos adquiridos, monta en 1988 la Casa de Oficios y Fundición de Bronce, financiada por Expo92 y el Instituto Nacional de Empleo, enseñando el oficio a veinticuatro jóvenes en un curso que duró tres años. El escultor a la escultura y el fundidor a fundir. SU OBRA

LINCE IBERICO. ( Acecho ) 68x22x25. Cms. Resina epoxi, OTR 411. Pátina bronce. 6,5 Kg. Peana de pino flandes. Esta es la escultura de la que he hablado en los otros mensajes. Haré una serie, exactas reproducciones, limitada de 50 ejemplares, numerados y firmados. Su precio es low cost, porque quiero y puedo. Hago envíos, aunque me apetece mucho más saludar a las personas y que se vea en vivo la escultura y se la lleve puesta, pero las puedo enviar a su destinatario si esto no es posible. Hago esculturas, luego soy escultor. La escultura es un arte, luego seré un artista. Esto por lógica deductiva porque por sentimiento no me considero artista, soy copista de la naturaleza. Pero bueno dejemos lo de artista. Hago arte, vale. El arte tiene que ser caro, para tener valor? Puesss no, porqué? Arte es para mí algo bello que te llama la atención, trasmite, cuando se mira se recrea uno en lo mirado, evoque, de placer... y esas cosas buenas. Hecho en un material imperecedero, mejor, para que perdure. En el caso mío, sería un animal muy símbólico nuestro, fielmente copiado del vivo, con su morfología lo má s correcta posible, una postura con fuerza, con una pátina atractiva y elegante, un tamaño mediano-grade que decore y llene el espacio y realizado con un material muy resistente, enmarcado con una peana de madera, clásica. Joé, saldrá tó esto caro, no? Pues no. Disfruto muchísimo trabajando, he conseguido unas resinas époxi durísimas a muy buen precio de costo, tengo un aprendiz que no le cobro por aprender, porque er pobre está tieso como una mojama, pero trabaja y hace lo que a mi me da coraje, osea las reproducciones, un buen quid pro quo. He terminado una cosita que me ha gustado bastante, ma dejao satisfecho, me gusta mirarla, a mí y a mis cercanos. Se une esto lo que comentaba antes de los materiales y manos de obra; tiene que salir cara la escultura? Pues no señor, voy a hacer una serie limitada, 50, numerada y firmada y a un precio atractivísimo. Al que le guste el arte, no tiene que ser rico para tenerlo. Homeee regalao no, porque no se puede, ojalá, peeeero mu, mu, are glaí...

El popurrí de esculturas, viejas, sucias, restos de series, una que guardo para mi y ya la repasaré... restauradas y vueltas a la vida , han formado una coleccioncita que me alegra la vista . Desde los ochenta has los dos mil, piezas variadas, salidas de mis manos. Las veo y recuerdo cosas y casos y me digo a mi mismo que cómo pasa el tiempo! Un mueblecito ad hoc y a ponerlas en casa en su lugar adecuado.

El busto es de los noventa y tantos larguitos, un poco más reciente que los últimos trabajos que he subido. Queda una cabeza de Aguila imperial por ahí que también va al archivo y ya dejo de recuperar restos de series, y cosas viejas. A lo nuevo. Busto de lince. Mediano formato. Pátina bronce.

Del año, 82-83, sus treintaitantos years hace que hice este doberman. Mi segundo bronce, el primero recuerdo que fue un foxterrier y a ese le he perdido la pista. Esta figura irá al archivo que estoy haciendo. Para mi ti ene mucho valor, por los años que hace que la hice y porque fue de los primeros bronces que fundí. Un escultor verde, vehemente y con poca paciencia y una fundición rudimentaria y con poca experiencia sacaron esta , para mi entonces, magnífica escurtura de un perro

Don Bosco. Esta pieza no es tan antiguilla como las otras, es del 2004. Le hice un molde para sacar la cera y fundirla en bronce y de ese molde ya pachucho, he sacado la copia en epoxi, con un considerable repaso. Como en casa gustó, otra para el archivo. Es curioso que como rechacé la fisionomía representada por la estampita súperconocida del oleo del Bosco, muy acaramelado y redondeado, hice mi Bosco, con fotos antiguas de él en vida, en blanco y negro, con su rostro más real y expresiones naturales. La escultura tuvo grandes halagos y grandes detracciones. Ese es el Bosco!! Unos. No se parece en nada! Por la estampa, otros. Las cosas.

Verraco, Macareno, Arocho, Guarro, Cochino. Jabalí. A esta escultura le guardo especial cariño, por lo que me gustan los jabalies, y por lo bien que se vendieron los bronces. Contento estoy de haberla rscatado y repasado en bastantes buenas condiciones. Año 90-91. Mediano formato.

Si ogaño se vendieran los bronces de sobremesa, como antaño, me podría ir a las Seichelles para bañarme en esas aguas y ver a las tortugas gigantes en su hábitat. Ahora nos vamos a Mazagón, ques mu bonita su playa y está a la vera de Doñana, jajaja. Más para el archivo. Cabra hispánica. Pequeño formato.

Más recuperaciones para el nuevo expositor-archivo.oTRO Principios de los 90. Lince ibérico. Pequeño formato.

Oso cantabro o pirenaico o iberico, el nuestro. Pequeño, gordote, pelin paticorto, cabezoncete. Mediano formato, también rescatado y repasado del sucio archivo al nuevo. Del año 90 aproximadamente.

Matriarca. Elefanta africana. Mediano formato. Esta pieza es del año 1991, rescatada de las estanterías polvorientas . Siempre de las series, en este caso bronces, que se vendían con cierta alegría, guardo una copia en resinas o poliuretano, pal archivo. Como casi todas las esculturas de esas fechas de las que guardo cop ias están bastante bien conservadas, las estoy terminando y patinando; con su peana en madera clásica, irán al archivo pero esta vez en un mueblecito acristalado y en casa, para que luzcan mejor que en el taller . Sabios consejos me dan mis mujeres, que yo acepto con gusto.

Los siete Argantonios se acabaron con pátina bronce viejo y peana de madera redonda. Así se eligió. Aunque la marfil no me desagradaba, el bronce es el bronce.

Pues como el tornero que me está haciendo las peanas redondas para los Argantonios está lento no, lo siguiente, he aprovechado la espera y las fresitas y cabezales nuevos para el micromotor que compré para repasar la serie argantoniana, y me he repasado-restaurado una antigua escultura, una pieza que no salió del todo bien de una serie larga y no tiré. Ni-Kasio, un luchador de sumo, que se utilizó de regalo a los ponentes de un congreso sobre la diabetes, curioso el tema. El organizador y patrocinador le gustó el símbolo del gordo-atlético-deportista, lo enlazó con las ponencias, -Dieta- Deporte- y -Autocontrol. jejeje como el luchador de sumo y se entregó como regalo a los ponentes y asistentes de renombre. Veinticinco se hicieron.

Pues ya está la máquina en marcha, terminado el primero. La pátina bronce viejo es apostar sobre seguro, peeero la marfil cada vez me gusta más y está gustando. Argantonio, - El hombre de plata- M ítico rey tarteso . Símbólicamente desnudo, paz y cultura cómo los tartesos se suponen que eran, sin vestiduras, sólo las joyas del tesoro del carambolo, atribuidos a su cultura y tiempo histórico .

Las series largas no me gustan, es más gratificante hacer algo nuevo que repetir una y otra vez lo ya hecho; en este caso no me es muy monótono porque cada reprodución está , e irán las siguientes, patinadas de diferentes maneras, bronce cuero, bronce mármol, bronce viejo, marfil, policromadas en castaño, cárdeno, etc Así, aún siendo una serie repetitiva, me lo paso bien acabando cada reprodución con aspecto diferente. Busto de toro.

Una idea. Delfines nadando, no saltando fuera del agua con un soporte imitando olas que es como están todas las figuras de delfines. Para pared con soporte lo más tráslucido posible en metacrilato. Las estrellitas son para disimular los tornillos de fijación.

Como estaba jarto de hacer el molde del caballo, se va a llevar doce sacos de escayola, que serán 12 por 25, 300 kilitos más el agua de la escayola, serán 500 kilos en total todas las piezas. Verás luego para moverlo!!! Qué caló. Pues eso, para descansar un par de días me he entretenido recuperando, repasando, terminando y patinando, esta pieza, hecha en el 1991, cuando lo que hacía era pequeño formato. Un rino indio.

La semana que viene si dios quiere, empezamos con el molde. Sólo queda cuando el barro esté más seco, perfilar y suavizar pelo y mechones. De morfología creo que está correcto, es un cartujano o andaluz, o español, o P.R.E., no un caballo como salga, y para ser mi primer caballo estoy satisfecho.

Nunca me he considerado artista, hago esculturas, bueno y qué, pero no me veo de artista, no se porqué. Hago más cosas y todas me apasionan, así que como no estoy dedicado en cuerpo y alma a hacer esculturas, por eso quizás no me vea yo mucho de artista. Después de ver y oir al colega en este video, me acabo de considerar artista o por lo menos quiero serlo. http://www.youtube.com/watch?v=6X08zzXWzag#t=229 ¡¡¡MI ADMIRACIÓN AL ARTISTA Y TAN HUMILDE HOMBRE!!!

Castagnino en el Bellas Artes

MURALES DE CASTAGNINO

JUAN CARLOS CASTAGNINO.rm

JUAN CARLOS CASTAGNINO

JUAN CARLOS CASTAGNINO

http://www.arteargentino.com/sala/castagnino/biografia.htm Pintor y dibujante argentino, nace en Mar del Plata en 1908; m. en 1972. (GRAN PREMIO DE HONOR DEL SALON NACIONAL AÑO 1961) Egresa de la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova completando su formación con Spilimbergo, Victorica, Gómez Cornet y, en París, con Bracque, Picasso y André Lothe. Realizó variadas actividades vinculadas con la cultura tanto desde cargos oficiales como desde la actividad privada. Ha recibido importantes premios en el país y en el exterior, entre los que se destacan: Premio Especial al dibujo en la Bienal de México (1962), Medalla de Honor en pintura de la Feria Internacional de Bruselas y en el Salón Internacional de Saigón (1962-1963).Su obra figura en numerosos museos de arte y en importantes colecciones particulares. ___________________________________________________________________________ " Castagnino centra su pintura en el hombre. Integra la figura humana en el paisaje, ennoblece la presencia de sus criaturas de carne y hueso,sin atemperarles demasiado la dureza del gesto con que las ha señalado la vida. Advertimos de pronto una serenidad "giacondesca " en algunos de sus retratos de mujeres de pueblo, cuyas manos repiten el gesto del cuadro de Leonardo. Gentes del norte, paisajes del Paraná o del Uruguay, orillas marplatenses, arrabales porteños: muchos y diversos ámbitos del país han dado a Castagnino tema para su interpretación entrañable.Su impronta nacional, sin embargo, no se alcanza por la sola virtud de su temática tan nuestra, sino, sobre todo, por una atmósfera, por un particular resplandor de los cielos, por un color que parece aprendido de la tierra. Son de Castagnino esas barrancas rojizas junto a las aguas tendidas, con el agreste penacho de unas verdes matas. Le pertenecen esos caballos criollos de acarnerado perfil en la nerviosa cabeza, sueltas las crines, anchas las narices que husmean la libertad en el aire; la osamenta vacuna, blanqueada por el sol y el viento, bajo cuya cornamenta, en las órbitas desmesuradas, el pasto joven o el cardo amoratado recomienzan la vida; ciertas maternidades obreras, en las que la ternura lírica no debilita el impacto de la dolorosa y muda protesta; son, por fin, de este seres y cosas del pueblo, a los que él ha sabido acercarse con solidario fervor. LEON BENAROS

Huellas. Arte argentino: Juan Carlos Castagnino II - Canal Encuentro

Artista chino crea sorprendentes esculturas en papel que superan la real...

LAS 20 ESCULTURAS MAS ASOMBROSAS DEL MUNDO

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Obras comentadas: Autorretrato, Alberto Durero, (1498), por Cristina Igl...

Durero y Cranach. El Renacimiento Alemán.

Yo, Albrecht Dürer - Documentales DW.DE

PINTOR ALBERTO DURERO

La Pintura de EMILIO PETTORUTI (1892-1971)

Pintura argentina: Lino Eneas Spilimbergo

Florencio Molina Campos: El pintor del campo argentino

Florencio Molina Campos: El pintor del campo argentino Sus cuadros podrían ser reconocidos por cualquiera aunque no estuvieran firmados. Su manera de ver al hombre de campo hace de Molina Campos un pintor inconfundible, que se interesó por nuestras raíces, tradición y folclore. En sus obras dejó un testimonio que no se perdió con el paso del tiempo. Florencio fue un hombre simpático y de gran carisma, que se destacaba en las reuniones sociales. Tenía carácter fuerte y le encantaba la música clásica, que escuchaba mientras pintaba. Su vida Nació en Buenos Aires hace ya 115 años, el 21 de agosto de 1891. Su nombre completo era Florencio de los Ángeles Molina Campos. Estudió en los colegios La Salle, El Salvador y Nacional Buenos Aires. A los 9 años comenzó a dibujar paisajes, escenas y personajes camperos que había observado durante las vacaciones que pasaba con su familia. A los 16 años, tras la muerte de su padre, debió empezar a trabajar: fue empleado en el Correo, en la Sociedad Rural Argentina y en Obras Públicas. Su primera exposición fue recién en 1926, a los 35 años, en la Rural; y fue visitada ni más ni menos que por el Presidente de la Nación, Marcelo T. de Alvear, luego ferviente admirador. Un año después, expuso en la vieja Rambla de Mar del Plata, y en 1931 viajó a Europa para exponer en París. Fue el primero de muchos viajes, pues luego fue invitado por diferentes gobiernos como representante cultural argentino. En 1931 firmó contrato con la empresa Alpargatas para pintar los almanaques de cada año. Así lo hizo de 1931 a 1936 y de 1940 a 1945, conformando lo más difundido y lo más importante de su obra. Murió el 16 de noviembre de 1959, un año después de regresar de Estados Unidos, donde trabajó pintando para una empresa agrícola. En 1969 se constituyó la Fundación Molina Campos y en 1979 el museo dedicado a su memoria. Sus personajes Florencio era un gran observador del campo. Por eso se puede apreciar el gaucho con todos sus rasgos característicos (pies chuecos, boina sobre los ojos), las actividades del campo, la vestimenta de hombres y mujeres, sus ranchos, caballos y carretas, el mate y las tortafritas. Las expresiones y el aspecto físico del paisano son tomadas con humor por el pintor y es lo que le da la magia y particularidad a sus obras. Otra característica muy propia es que siempre ubica la línea del horizonte muy abajo, y la mayoría del fondo es del cielo. Sus personajes son los hombres de campo en sus tareas cotidianas, retratados de una manera optimista, sin resignación ni tristeza en sus rostros. Y así es como pasarán a la eternidad, a través de sus pinturas.http://www.revistaintercole.com.ar/contenidos-pequenias-biografias/florencio-molina-campos-el-pintor-del-campo-argentino-593/index.html

OBRAS DE FLORENCIO MOLINA CAMPOS

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Carlos Pablo Ripamonte

Carlos Ripamonte Carlos Ripamonte. Carlos Pablo Ripamonte (Buenos Aires, 4 de mayo de 1874 - Villa Ballester, 14 de agosto de 1968) fue un pintor argentino. Su formación, inicio en la docencia y la estadía en Italia[editar] Hijo de padre italiano y madre criolla, inició sus estudios artísticos con el retratista Juan Bautista Curet Cenet, y más tarde asistió al taller del pintor italiano Miguel Carmine. Allí, recibió las enseñanzas de la pintura de caballete y la decoración mural. Más tarde, a instancias de su maestro, ingresó en la academia de la Sociedad Estímulo de Bellas Artes (antecedente de la Asociación Nacional de Bellas Artes) donde tuvo por guías artísticos a Reynaldo Giudici, Ángel della Valle y Ernesto de la Cárcova. Allí dictó cátedra de Dibujo desde 1897 a 1899. Entre 1894 y 1898 participó en los Salones Anuales del Ateneo. En 1899, el Gobierno Nacional le otorgó una beca por concurso para continuar sus estudios en Europa. Instalado en Roma, Italia, abrió su taller y conoció al maestro Giulio Arístide Sartorio. Regreso a la Argentina[editar] A su regreso, Ripamonte ocupó el cargo de Secretario de la SEBA colaborando en los trabajos preliminares de su nacionalización en 1905 -donde también ejercería como profesor- así como también lo haría más tarde en la creación del Conservatorio Nacional de Música. Desde fines del siglo XIX, en Argentina se evidenciaron fuertes cambios políticos, sociales y económicos. Paralelamente y de acuerdo a esas transformaciones, se comenzó a organizar el campo artístico local. Las innovaciones estéticas que al volver de Europa trajeron algunos artistas generaron una fuerte controversia en torno a la identidad del arte nacional. Ripamonte se posicionó en esa polémica como defensor de las tradiciones y del proyecto nacionalista legitimado por el poder cultural de la época. Como consecuencia de esa postura, surgió el Grupo Nexus a principios del siglo XX, conformado por Cesáreo Bernaldo de Quirós, Fernando Fader, Ceferino Carnacini, Justo Lynch, Juan Peláez, Pío Collivadino, el escultor Antonio Dresco -entre otros-. La producción de la agrupación se caracterizó por la exaltación de la tradición, el folklore y las costumbres locales, utilizando un lenguaje cercano formalmente al impresionismo y adaptado al naturalismo académico aprendido en el viejo continente. En 1907, Ernesto de la Cárcova dejó su cargo como vice-director de la Academia Nacional de Bellas Artes. Ripamonte lo sucedió de 1908 a 1928. En 1910 tuvo lugar la Exposición Internacional del Centenario, donde se mostró una cantidad considerable de obras, entre pintura, grabado, arquitectura y artes modernas. Argentina participó con 235 trabajos de diferentes artistas, y los integrantes del Grupo Nexus ocuparon un lugar destacado: Ripamonte fue distinguido con el "Primer Premio" en la sección "Cuadros costumbristas", por su óleo Canciones del pago. Envío sus obras al Salón Nacional desde 1911 y a otras muestras oficiales de la Argentina. Realizó exposiciones individuales en Galería Witcomb, Müller, Salón Mar del Plata; Salón Santa Fé, Bahía Blanca, Tres Arroyos, etc. Durante esos años, escribió en la revista Athinae (de Mario A. Canale) una fervorosa defensa del arte nacional y del personaje del gaucho. Junto al Perito Moreno y otras destacadas figuras fundó el 4 de julio de 1912 la Asociación de Boy Scouts Argentinos. Semblanza artística[editar] En sus obras, el artista supo detenerse en un minucioso estudio de los caracteres del hombre de campo realizando composiciones de gran calidad que reflejan los diferentes tipos criollos. Conocedor de las formas y poseedor de una gran habilidad para el dibujo, se dedicó tanto a estructurar como a disolver la figura mediante los efectos de color. Años posteriores[editar] Sin descuidar su actividad artística, ejerció al mismo tiempo la docencia y continuó ocupando diversos cargos: fue presidente de la "Asociación Estímulo de Bellas Artes" y miembro de la Comisión Nacional de Bellas Artes. En 1928 ocupó la dirección de la ENBAPP y fue director de la Escuela Superior de Bellas Artes de la Nación Ernesto de la Cárcova, hasta 1931. Dictó la cátedra de Pintura y Dibujo en la FADU; profesor de Dibujo de Ornato aplicado a la Arquitectura en la Facultad de Ciencias Exactas, Físicas y Naturales de la Universidad Nacional de Buenos Aires, hasta su jubilación en 1942. Publicó numerosos artículos sobre arte, la obra Datos de la historia artística argentina y una Autobiografía. Residió buena parte de su vida en Villa Ballester, en la zona norte del Gran Buenos Aires, al igual que su discípulo y colega Ceferino Carnacini. Su casona y atelier aún se conserva y actualmente es ocupada por sus descendientes. Su obra figura en museos nacionales, provinciales y en destacadas colecciones particulares. Exposiciones de su obra[editar] Ripamonte ha figurado en la exposición Obras de arte argentino desde Pueyrredón hasta nuestros días (1940); 100 años de Arte Rioplatense (Buenos Aires, 1947); La pintura y escultura argentina de este siglo (Buenos Aires, 1952-1953), y otras de carácter internacional. Del 9 al 30 de mayo de 2008 se llevó a cabo en el Museo Casa Carnacini de Villa Ballester la exposición "Ripamonte, el último romántico".1Wikipedia ALGUNAS DE SUS OBRAS

Fauvismo

Arte y vanguardias a comienzos del siglo XX. Mª Dolores Antigüedad del C...

"ANTONIO BERNI POR OSCAR VALMONT". 3D. HD. "ARTE ARGENTINO CONTEMPORANEO".

Huellas Arte Argentino - alberto greco

Arte Argentino 1920 - 1950

Arte - Lino Enea Spilimbergo, "El Arte de los Argentinos" Programa 022, ...

Pintura argentina: Lino Eneas Spilimbergo

Lino Eneas Spilimbergo

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/spilimbergo.htm

(Lino Eneas o Enea Spilimbergo; Buenos Aires, 1896 - Unquillo, 1964) Pintor argentino. Recibió las primeras lecciones de dibujo en la Escuela Industrial de la calle Salguero y, en 1915, ingresó en la Escuela Nacional de Bellas Artes, en aquel tiempo Academia. Cinco años más tarde ya tenía su título de profesor. Su formación clásica influyó en el estilo realista de sus primeros paisajes y escenas costumbristas; posteriormente entraría a formar parte del movimiento de renovación impulsado por la revista Martín Fierro. Lino Spilimbergo En 1925 expuso en el Salón Nacional de Bellas Artes, donde resultó laureado con el premio único al mejor conjunto con las obras Vieja uyutana, Descanso, El ciego y Paisaje andino. El citado premio posibilitó su primer y anhelado viaje a Europa, que le permitiría ampliar su formación artística en Alemania, Italia y Francia. En ese mismo año obtuvo el Segundo Premio de Pintura en el Tercer Salón Libre de Otoño de La Plata y expuso en el primer Salón Universitario Anual de dicha ciudad. En 1926 se trasladó a vivir a París, donde estudió con André Lothe, quien influyó poderosamente en su obra. Un año más tarde, y sin interrupción hasta 1943, comenzó a exponer en todos los Salones Nacionales. Desde 1935 fue profesor de la Academia Nacional de Bellas Artes. En 1937 su trayectoria mereció un doble reconocimiento: obtuvo el primer premio del Salón Nacional argentino y la medalla de oro del grabado y el gran premio de pintura de la Exposición Internacional de París. Consagrado como uno de los maestros de la escuela pictórica de su país, ejerció una intensa labor pedagógica desde su cargo de director del Instituto de Artes de la Universidad de Tucumán. La planchadora (1936), de Lino Spilimbergo De aparente filiación neoclásica, la obra de Lino Spilimbergo resulta sólidamente sostenida por el dibujo y por una visión plástica que parece propia de un escultor. Sus creaciones transparentan también otras novedades: la visión cubista del constructivismo de Cézanne y ciertos ecos de los pintores metafísicos italianos y del surrealismo. Estos rasgos constituyen, junto a un poderoso equilibrio estructural, las características de este gran maestro de la corriente figurativa de la pintura moderna argentina que, aunque abierto a todas las tendencias de vanguardia, se centró siempre en el tratamiento de la realidad cotidiana, e hizo de la figura humana y el paisaje sus temas principales. Terraza (1931), La planchadora (1936), Paisaje de Chilecito (1941) o La Chacra (1944) son algunas de sus telas más conocidas. TELAM 12 AGOSTO (1896)Siguiente ARTISTA PLÁSTICO Nace Lino Spilimbergo Notable pintor, grabador y dibujante, considerado uno de los grandes maestros de la pintura argentina, falleció el 16 de mayo de 1964 en la localidad cordobesa de Unquillo.

TOMADAS DE LA PÁGINA: Mirífico/art - Amparo Estevez Saviza

Mirífico/art - amparo estevez saviza compartió la foto de William Stoehr Art.

Mirífico/art - amparo estevez saviza compartió la foto de Vladimir Volegov.

Mirífico/art - amparo estevez saviza compartió la foto de Suzie Greer Baker.

Mirífico/art - amparo estevez saviza compartió la foto de Mikki Senkarik.

Mirífico/art - amparo estevez saviza compartió la foto de Jesus de Perceval o la luz del Sur.

Mirífico/art - amparo estevez saviza compartió la foto de Suzie Greer Baker.