EFEMÉRIDES DE ARTE

********************************************************************************************************** 1986 Fallece en Buenos Aires el escritor José Bianco Novelista, ensayista y traductor, permanente colaborador de Proa, fue secretario de redacción de la revista Sur entre 1938 y 1961, años en que la publicación fundada y dirigida por Victoria Ocampo alcanzó su mayor repercusión internacional. Fue autor de "Las ratas", "Sombras suele vestir", "La pérdida del reino", "Ficción y realidad", "La pequeña Gyaros", "El ángel de las tinieblas", etc.

********************************************************************************************************* 1980 Muere el gran escritor Alejo Carpentier Periodista, musicólogo y crítico de arte, había nacido en La Habana el 26 de diciembre de 1904. Siendo -como se consideraba a sí mismo- un hombre de su tiempo, decidió abordar la realidad americana descubriendo en toda su fantástica existencia la majestuosidad del continente. A través de lo "real maravilloso" y la escritura barroca, proporcionó con su apropiación de América una nueva línea creadora, señalando nuevos caminos en la novela latinoamericana. "í+cue Yamba O!"," Los pasos perdidos", "El reino de este mundo", "El Siglo de las Luces"," Concierto barroco", "La consagración de la primavera", "Visión de América" y la muy premiada "El arpa y la sombra", son algunas de sus extraordinarias obras

******************************************************************************************************* 1942 Se inaugura el Teatro Alvear Propiedad de Pascual Carcavallo, la nueva sala fue nombrada en homenaje al recién fallecido Marcelo T. de Alvear, inaugurándose con la puesta en escena de "Eclipse de sol", de Enrique García Velloso. En 1951, la Municipalidad de Buenos Aires retiró la concesión a los herederos de Carcavallo, imponiendo a la sala el nombre de Enrique Santos Discépolo, medida que fue revocada en 1955. El teatro permaneció en manos privadas hasta que en 1980 pasó a depender de la Secretaría de Cultura de la ciudad.

******************************************************************************************************* 1877 Nace en Palermo, Italia, el escritor José Ingenieros Médico, psiquiatra, farmacéutico, escritor y catedrático Giuseppe Ingegneri fue autor de "Simulación en la lucha por la vida", "El hombre mediocre" "Al margen de la ciencia", "Hacia una moral sin dogmas", "Las fuerzas morales", "Evolución de las ideas argentinas", etc. Murió en su plenitud intelectual, a los 48 años, el 31 de octubre de 1925.

****************************************************************************************************** 1960 Muere don Andrés Chazarreta, el patriarca del folclore argentino Nacido en Santiago del Estero el 29 de Mayo de 1876, estudió música ejecutando diversos instrumentos, entre ellos, guitarra, mandolín, violín, piano y bandurria. En el año 1905, con la "Zamba de Vargas" inicia su intensa labor de recopilación. En 1911 formó su primer Conjunto de Arte Nativo con el que recorrió el país hasta 1936, acompañado de sus bailarines, cantores y músicos que hicieron conocer por primera vez las danzas regionales, consagrándose en la Capital Federal en el Teatro Politeama en 1921, cuando mereció el entusiasta elogio del escritor Ricardo Rojas

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EFEMÉRIDES DE ARTE

************************************************************************************************************ 23 ABRIL (1961)Siguiente REP Nace Miguel Repiso Dibujante, historietista y humorista gráfico. Trabajó para numerosos medios gráficos del país y del exterior. Publica sus trabajos en Página/12 desde el inicio del de ese diario. Ha publicado numerosos libros, entre los que se destacan: Gaspar el revolú, Postales, El Zebra y Rep para todos.

*********************************************************************************************************** 2008 Juan Gelman recibe Premio Miguel de Cervantes El poeta Juan Gelman, el cuarto argentino que recibió el más importante premio de las letras hispánicas, es autor de "Violín y otras cuestiones", "El juego en que andamos", "Velorio del solo", "Gotán", "Cólera Buey", "Traducciones III. Los poemas de Sidney West", "Valer la pena", etc. Es uno de los escritores nacionales más premiados. Recibió el Premio Nacional de Poesía argentino, el de Literatura Latinoamericana y del Caribe Juan Rulfo, el Iberoamericano de Poesía "Pablo Neruda" y el Reina Sofía de Poesía Iberoamericana. El escritor nacido el 3 de mayo de 1930 en el barrio porteño de Villa Crespo, tuvo que exiliarse en 1976, luego de lo cual fueron secuestrados su hijo y su nuera, embarazada de siete meses. Radicado en México, Gelman transcurrió las siguientes tres décadas buscando a su nieta Macarena, encontrada finalmente en Uruguay. “Ahí está la poesía, de pie contra la muerte”, dijo el poeta en su discurso al recibir de manos del rey de España el premio de literatura más importante en lengua castellana Gelman falleció el 14 de enero de 2014 en la ciudad de México.

********************************************************************************************************** 1958 Esteban Echeverría es emplazado en Retiro Se inaugura en su nueva ubicación, junto a la Plaza San Martín, la estatua del poeta y escritor Esteban Echeverría, autor del "Dogma Socialista", "La Cautiva" y "El matadero", primer cuento romántico del Río de la Plata. Obra del escultor Torcuato Tasso, la escultura se inauguró el 27 de octubre de 1907 en el Parque Tres de Febrero. Años después se mudó a la intersección de la calles Florida y Charcas, donde para mayor confusión, fue emplazada en la plazoleta Juvenilia.

********************************************************************************************************* 1917 Nace el escritor Eduardo S. Calamaro Abogado, poeta y docente, fundador y codirector de la revista Canto, fue autor de "Caramillo", "El proyecto y la muerte", "La cultura nacional, un examen crítico", etc. En 1963 su trabajo "La comunidad argentina" mereció el premio municipal en ensayo.

******************************************************************************************************* 1819 Nace la escritora Juana Manso Historiadora, poeta, educadora y gran oradora, es considerada la primera activista del feminismo en Argentina. Colaboradora de Domingo Faustino Sarmiento, creó y dirigió los semanarios Álbum de Señoritas y Flor del Aire. Fue autora de novelas históricas en las que denunciaba la situación de los más postergados de la época, la infancia y las mujeres, entre las que cabe mencionar "La familia del comendador", "Margarita", "La Revolución de Mayo de 1810", "Escuela de Flores", la serie " "Mujeres Ilustres de la América del Sud", etc.

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EFEMÉRIDES DE ARTE

- 22 DE ABRIL 2013 Muere el músico ‘Pajarito’ Zaguri. Alberto Ramón García, más conocido como Pajarito Zaguri fue un cantante y compositor considerado como uno de los fundadores del movimiento del rock argentino. Integró varias bandas pioneras del género como Los Beatniks, Los Náufragos y La Barra de Chocolate. Siendo miembro de Los Beatniks coescribió y grabó, en 1966, la canción "Rebelde", considerada una de las primeras canciones de lo que se dio en llamar rock nacional. Había nacido el 7 de noviembre de 1941.

************************************************************************************************************************* 1973 Muere el escritor entrerriano Luis Gudiño Kramer. Escritor, periodista, crítico de arte de El Litoral de Santa Fe, autor de "Aquerenciada soledad", "Señales en el viento", "La creciente y otros cuentos", "Caballos", "Cuentos de Martín Ponce", "Tierra ajena", "Médicos, magos y curanderos", etc.

************************************************************************************************************************* 1968 Fallece Francisco Muñoz Azpiri. A los 52 años de edad fallece en Buenos Aires el periodista, escritor y guionista radial y colaborador de la revista Ahijuna. Fue autor de varios guiones que en su momento fueron interpretados por la joven actriz Eva Duarte, entre los que destacan "Madame Lynch, la amazona del destino", "Mi reino por el amor", "Un ángel pisa la escena" y los ciclos "Hacia un futuro mejor" y "Heroínas".

************************************************************************************************************************* 1943 Se estrena "Tres hombres del río". Con la dirección de Mario Soffici se estrena la recreación cinematográfica del cuento de Eliseo Montaine "Hermanos en la noche". El guión fue obra del célebre dramaturgo, periodista y agitador anarquista Rodolfo González Pacheco, editor del periódico "La Antorcha" y fundador del "Teatro de Ideas". Soffici, nacido en Florencia, Italia, el 14 de mayo de 1900, dirigió más de 40 películas, entre las que cabe mencionar "Alma de bandoneón", "Kilómetro 111", "La cabalgata del circo", "El pecado de Julia", "Barrio gris", "Chafalonías", "Rosaura a la diez", etc.

************************************************************************************************************************ 1907 Muere Juan Bialet Massé. Médico y abogado, agrimensor y catedrático, autor de "Comentarios a las prescripciones del Código Civil", "Las colonias en el interior" y de un exhaustivo análisis de perdurable valor, el "Informe sobre el trabajo obrero en las provincias". Había nacido en 1846 en Mataró, España,

*********************************************************************************************************************** 1902 Nace en Buenos Aires la destacada pintora Raquel Forner. Activa participante de la vanguardia junto a Norah Borges, Emilio Pettoruti y Xul Solar, su impactante obra pictórica destaca un fuerte dramatismo. Luego de una larga carrera jalonada de importantes premios internacionales, fallecerá en Buenos Aires en 1988. 1902

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Juan Moreira (1973) Leonardo Favio (Trailer)

Juan Moreira, la historieta, el libro.wmv

Y estoy vivo y contando Juan Moreira TITERES

Himno Nacional Argentino - Versión Completa

ARTE-PINTURA - Alfredo Alonso Lopez

Alfredo Alonso López - Pintor. Hace 9 horas Amigos, les comparto otras dos obras que formarán parte de la colección que se expondrá en Nueva York, ambos óleos son un reconocimiento a la labor y esfuerzo de las señoras retratadas. Éstas pinturas también las quiero mucho, y como verán, me gusta echar color!!!!!!, por cierto, agradezco enormemente a quienes me siguen preguntando por el precio de mis pinturaS. Ficha técnica de las obras: Flor de Cempasúchil. Óleo sobre tela. 60*70 cm. 2013. Alfredo Alonso López La Señora de los Cántaros. Óleo sobre tela. 2013. 70*60 cm. Alfredo Alonso López. ***********************************************************************************************************************

"Eva, el gran musical argentino" (2008-2009)

juan y eva - pelicula completa - argentina -2011

MARÍA EVA DUARTE DE PERÓN

Publicado el 30/03/2013 Combinando animación con material documental narra la vida de EVA PERÓN. Se trata de su vida, su obra y de su tormentosa muerte, ya que el cadáver fue ultrajado y desaparecido por casi 20 años. La niña de Los Toldos bastarda y despreciada, que llegará a ser esa mujer que conquistó, sin condiciones, el amor de su gente, provocando, en una sociedad machista, el odio de los poderosos, en su fugaz e irrepetible existencia. Su desesperada búsqueda de justicia, la muerte prematura, el secuestro del cadáver embalsamado y su misterioso peregrinar por el mundo en concordancia con un pueblo a la deriva que siempre invoca su regreso, construirán indestructiblemente el mito EVA PERÓN. En esta trama de antagonismos y contrastes, un hombre llamado Rodolfo Walsh, devoto del ajedrez y el periodismo, irá tras los pasos de esa mujer, alumbrando una búsqueda cargada de enigmas y confabulaciones, que lograrán develar la verdadera y definitiva historia de EVA DE LA ARGENTINA.

EVA DE LA ARGENTINA

El Juego de la Silla (Cine Argentino) [1/9] (+lista de reproducción)

A02 El hijo de la novia - Darin, Alterio, Norma Leandro

el secreto de sus ojos dvdscreener][line][divx][esp][2009]

la noche de los lápices

la patagonia rebelde

Quebracho (película entera, 1974)

sandrini película en mi casa mando yo

Esperando la Carroza. Pelicula Completa.

""Esperando la carroza!

06 MAYO (1985 EXITOSA COMEDIA-TELAM Se estrena "Esperando la carroza" Se presenta en las salas porteñas la versión fílmica de la exitosa sátira del dramaturgo uruguayo Jacobo Langsner "Esperando la carroza". Dirigida por Alejandro Doria, la película cuenta con las actuaciones de Luis Brandoni, China Zorrilla, Antonio Gasalla, Julio De Grazia, Darío Grandinetti, Cecilia Rossetto, Enrique Pinti, Betiana Blum, Juan Manuel Tenuta, Lidia Catalano, Andrea Tenuta, etc. Con dirección de Sergio Otermin, la obra había sido estrenada en 1962 por la Comedia Nacional, elenco teatral estable de la Intendencia Municipal de Montevideo

Leonardo Favio, Quiero Aprender de Memoria, Festival de Viña 1997

LEONARDO FAVIO

Favio, el gran artista popular argentino Una muestra homenajea al cineasta y cantante. Exhiben sus películas y canciones, obras de los artistas que colaboraron con él, sus papeles íntimos y sus libros. POR JULIÁN LÓPEZ

Su libro de San Agustín, su Corán, su Biblia, los tres volúmenes que llevaba siempre consigo y con los que montaba, en cualquier lugar donde estuviera trabajando, su retablo propio. Pero en este retablo abierto al público resaltan, además, una infinidad de fotos de Evita, del general, de esquelas en las que la tinta recuerda a las estilográficas de los 50, de imágenes del terremoto de San Juan y del pueblo velando a la joven de 33 años que sigue irradiando su amparo. Hay objetos incomprensibles a la mirada del ajeno, esos recuerdos que pueblan las estanterías cargados del afecto privado y de los que sólo quien los recibió conoce santo y seña. Pero en este retablo, en la instalación que se muestra en Leonardo Favio, un recorrido por su obra. Una reflexión sobre su poética. Una invitación a recordarlo siempre, la exposición que se inauguró el miércoles en la Casa Nacional del Bicentenario, uno puede asomarse a la idea de un génesis particular, la fundación de un mito argentino, los materiales que construyeron y alimentaron al probablemente nuestro mayor artista popular del Siglo XX. Recorrer la muestra que dirigieron Liliana Piñeiro y Víctor Bassuk es impactante, conmueve el contacto con el pensamiento y la obra de un verdadero desaforado, un hombre que interpretó como nadie los alcances reales y simbólicos del peronismo y dio su arte profundo y exquisito a quienes llenaron de patas las fuentes de la patria. “Queríamos hacerle un homenaje a Favio pero alejarnos de la idea del bronce”, cuenta Piñeiro y agrega: “queríamos hacerlo con gente que estuvo cerca de él y trajera la dimensión humana de este cineasta, de este intelectual”. En la muestra hay obras de los artistas que trabajaron con Favio como Andrés Echeveste, Daniel Santoro, Annemarie Heinrich o Claudio Capellini, entre otros. Si bien la exposición no está organizada como una retrospectiva cronológica, da cuenta de toda la obra del director de El dependiente y Nazareno cruz y el lobo y está abordada desde una perspectiva que no deja afuera ni los trazos más refinados ni las intervenciones más masivas de este artista de culto. Otra de las responsables es la asesora Ana Amado que reprodujo un living con la estética de los años 70 en los que el público puede sentarse a escuchar los vinilos de grabaciones como Pantalón cortito o Fuiste mía un verano. En los dos pisos en los que sucede la muestra, más los afiches y el hermoso video del cineasta Ariel Piluso, no se atisba una mera suma de fotogramas o de performances más o menos modernas; el evento expone puntos de vista y arriesga hipótesis artísticas como la que resalta la importancia de los muros y las tapias con las que se enfrentan los protagonistas de las películas de Favio. Para refrendar esa hipótesis, y para confirmar el riesgo y la liberación que propone la obra total del artista, hay plasmas en los que pueden verse escenas de Juan Moreira y del Aniceto que bailó Hernán Piquín entre las que tercian las imágenes del escape del reformatorio del protagonista de la primera película de Favio: Crónica de un niño solo. Nadie puede dudar del monumental legado que Leonardo Favio dejó para la cultura argentina, un descomunal talento para contar su historia en conmovedoras minucias y la historia de nuestra comunidad con una fanfarria personalísima, una mirada honesta y hasta ingenua. Como dice Víctor Bassuk, su productor de los últimos 15 años: “era un tipo de una sensibilidad y una inteligencia increíbles y todos los que trabajábamos con él éramos su corte de los milagros. Trabajar con él era estar en contacto cotidiano con su velocidad de pensamiento, sus conclusiones brillantes, su tremenda poesía”. AGENDA Leonardo Favio, un recorrido por su obra... Dónde: Casa del Bicentenario, Riobamba 985.

Argentina - Crónica de un niño solo

Argentina - Crónica de un niño solo

ARTE-CINE- CINE ARGENTINO

Cine de la Argentina

FOTO-CARICATURA-LEONARDO FAVIO-- Las actrices argentinas en el Festival Internacional de Cine de Berlín de 1961: Isabel Sarli, Olga Zubarry, Tita Merello y Mirtha Legrand. El cine de la Argentina, ha sido históricamente de los tres más desarrollados del cine latinoamericano, junto a los producidos en México y Brasil.1 A lo largo del siglo XX la producción cinematográfica argentina, apoyada por el Estado y avalada por el trabajo de una larga lista de directores y artistas, se convirtió en una de las principales del mundo en idioma castellano. Es el único país de Latinoamérica en ganar al menos un Óscar, con sus películas La historia oficial (1985) y El secreto de sus ojos (2009). Introducción del cine al país Un poco después de la aparición del cinematógrafo, se efectuaba el 18 de julio de 1896 en el Teatro Odeón la primera proyección cinematográfica del país en la ciudad de Buenos Aires. Se trataba de los célebres cortos de los Hermanos Lumière que se habían estrenado el año anterior en París, Francia. Tiempo antes, también en esa ciudad se había importado, sin mayores repercusiones, el espectáculo del kinetoscopio invento del norteamericano Thomas Alva Edison. Estas actividades fueron durante mucho tiempo no más que una forma de entretenimiento y actividad comercial. Primeras películas nacionales Amalia (1914). En 1897, el operador francés Eugenio Py realizó el documental La bandera argentina que consistía en una vista documental de la bandera argentina flameando en la Plaza de Mayo, se podría considerar a esta como la primera obra cinematográfica nacional. Le siguieron Viaje a Buenos Aires en (1900) y La revista de la escuadra argentina (1901). Por eso se abrieron en Buenos Aires las primeras salas. En los primeros años del siglo XX varios autores argentinos continuaron experimentando las posibilidades del nuevo medio realizando noticieros y registros documentales. Eugenio Alejandro Cardini filmó Escenas Callejeras (1902) y Mario Gallo realizó El fusilamiento de Dorrego (1908), que fue la primera película con trama argumental. La historia y literatura nacionales proporcionaron la temática básica del cine argentino en sus comienzos. Uno de los primeros éxitos del cine nacional fue Nobleza Gaucha, película realizada en 1915 por Humberto Cairo, Eduardo Martínez de la Pera y Ernesto Gunche, inspirada en el Martín Fierro de José Hernández. El primer largometraje sería Amalia (1914), sobre la novela homónima de José Mármol. En 1917 se realizaba El apóstol primer largometraje animado de la historia del cine, consistía en una sátira al entonces presidente Hipólito Yrigoyen. Ese mismo año debutaba Carlos Gardel en el cine, en el filme Flor de durazno dirigido por Francisco Defilippis Novoa. La llegada del cine sonoro La incorporación del sonido tuvo una gran influencia sobre el público. En 1931 se filma Muñequitas porteñas dirigido por José A. Ferreyra sería el primer filme sonoro y hablado por el sistema Vitaphone de sincronización sonora. Pero en 1998 el reconocido periodista investigador Roberto Di Chiara descubrió el primer film político denominado "Por una Argentina grande, justa y civilizada" (1931) de Federico Valle, en donde hablan Lisandro de la Torre, Mario Bravo, Julio Noble, y otros, película desconocida por el pueblo argentino. Hacia 1933 se da la llegada del sistema Movietone, el primero que permite guardar la banda sonora en el mismo soporte que la imagen. Nacen ese mismo año los dos primeros estudios cinematográficos del país: Argentina Sono Film fundado por Ángel Mentasti y Lumiton creada por Enrique Telémaco Susini, César José Guerrico y Luis Romero Carranza. Luego llegaría el sistema de sonido óptico inventado por Lee De Forest, el Phonofilm. Con este equipamiento se grabaron numerosos números musicales de Carlos Gardel, a la manera del actual video clip. La industria del cine en la Argentina se inició en la práctica con la llegada del sonido óptico. Con la incorporación del sonido, serán la radio, la industria discográfica y el teatro de revistas los que aportarán actores (voces) ya conocidas por la gente. La banda de sonidos llegaría a ser tan importantes que incluso se le exigía a los actores que entonaran canciones, a pesar de no estar preparados para ello. Así se puede llegar a considerar que el sonido es tan importante en el cine argentino, dado que sin él posiblemente no hubiera existido una industria. El cine mudo no había logrado en el país acceder a un gran público. Los dos primeros films sonoros (sin discos), estrenados con una semana de diferencia fueron Tango (1933) dirigido por Luis José Moglia Barth y producido por Argentina Sono Film, y Los tres berretines, protagonizada por Luis Sandrini y producida por Lumiton. Lo siguen otros filmes exitosos de la época, de Mario Soffici El alma del bandoneón (1935) y Prisioneros de la tierra (1939); de Manuel Romero La muchachada de a bordo (1936) y de Leopoldo Torres Ríos La vuelta al nido (1938), que marcaron el momento de madurez del cine argentino en la década del 30'. En esta época se consagraron estrellas como: Libertad Lamarque, Tita Merello, Pepe Arias, Luis Sandrini y Niní Marshall. El sistema Movietone significó la ganancia de miles de pesos para las flamantes productoras, que pudieron seguir expandiéndose. Se había creado un público gracias al sonido, en esta época, el sonido será pues, sinónimo de mercado convirtiendo al cine en un producto de consumo popular. Lo que se está vendiendo en esta primera época es producto ya conocido, pero que puede ser gozado en la oscuridad de la sala de cine, allí se daría una relación de proximidad con cantantes, bailarines u orquestas populares, por tan solo unos centavos de entrada. A medida que se avanzó en la producción de filmes sonoros, la integración de imagen y sonido se fue haciendo más orgánica. Las películas ya no eran números musicales, o escenas mudas musicalizadas, sino que se lograba lo que denomina Síncresis, la unión indisoluble de los aspectos visuales y sonoros del filme, dando lugar a un cine mucho más rico y ya con identidad propia, dejando de lado los vicios del cine primitivo. Enrique Muiño en La guerra gaucha: actor y película de la era clásica. El cine clásico A partir de 1940 el cine argentino entró en un largo periodo de crisis cinematográfica determinada por la competencia comercial del cine estadounidense y el predomino del cine mexicano que estaba en su "Época de Oro" y dominaba el mercado en los países de habla hispana. Algunas de las grandes películas de la década fueron Historia de una noche (1941) y La dama duende (1945), ambas de Luis Saslavsky; La Guerra Gaucha (1942) y Malambo (1945) de Lucas Demare y Hugo Fregonese; Pelota de trapo (1948) y Crimen de Oribe (1950) de Leopoldo Torres Ríos, y Las aguas bajan turbias (1952) de Hugo del Carril. En esa década saltan a la fama las hermanas gemelas actrices Mirtha Legrand y Silvia Legrand. El primer nuevo cine argentino[editar] Desde 1957 una nueva generación de directores consiguió aunar la habilidad técnica con el refinamiento estético, por lo que se consiguió participar en festivales internacionales. Leopoldo Torre Nilsson, Fernando Ayala, David José Kohon, Simón Feldman y Fernando Solanas, fueron los protagonistas de esta renovación del cine argentino en la década de 1960. Un caso excéntrico es el de Hugo Santiago, creador de dos filmes de culto, Invasión y Los otros, emigrado definitivamente a Francia. Posteriormente otros directores consiguieron su estilo cinematográfico, como José Martínez Suárez, Manuel Antín, y Leonardo Favio. En el cine infantil de dibujos animados se destaca Manuel García Ferré (Petete y Trapito, 1975; Ico, el Caballito Valiente, 1981). El cine de la post dictadura[editar] En la década del 80, realizadores como María Luisa Bemberg con Camila (1984), Pino Solanas (El exilio de Gardel (Tangos), Sur), Luis Puenzo (La Historia Oficial) (que consiguió el Premio Óscar a mejor película extranjera de 1985) y Adolfo Aristarain (Tiempo de revancha, Un lugar en el mundo), atrajeron la mirada de nuevos públicos. El segundo nuevo cine argentino[editar] En la década del noventa surge una nueva corriente denominada comúnmente como nuevo cine argentino, marcada por el carácter independiente de las realizaciones, y un cambio en la mirada. El precursor en este movimiento es Martín Rejtman quien hace en 1991 su ópera prima Rapado. Otro interesante filme que marca un punto de inflexión en la realización es Picado fino (1994) de Esteban Sapir. Sin embargo, no será hasta 1998 que estos nuevos realizadores logran tener una mayor difusión. La primera película que tiene una repercusión pública, dentro de esta nueva generación, es Pizza, birra, faso, de Bruno Stagnaro e Israel Adrián Caetano (de nacionalidad uruguaya) que se expuso en Suiza (marzo 1998 -Fribourg Film Festival-), Países Bajos (noviembre de 1998), España (julio 2001), Grecia (noviembre 2001 -Festival de Cine Internacional de Salónica-) y Estados Unidos (diciembre 2005).2 A esa le siguieron Mundo Grúa (1999) de Pablo Trapero. El bonaerense (2002) y otras que continuaron esa línea de películas de tónica y personajes reales, bajo presupuesto y actores no conocidos. Un poco al margen de este movimiento, aunque en sintonía con sus valores, surgen Lucrecia Martel y Lisandro Alonso. La ópera prima de Martel, La Ciénaga (2000) fue producida por Almodóvar y si bien no fue un éxito comercial, (todo lo contrario) fue bien recibida por la crítica internacional, y estuvo presente en varios festivales alrededor del mundo, ganando premios en el festival de Sundance, La Habana y obteniendo una nominación al Oso de Oro en el Festival de Berlín. Sus siguientes películas, La niña santa (2004) y, en particular, "La mujer sin cabeza" (2008) fueron también elogiadas por críticos y cineastas de todo el mundo, y ambas compitieron en el Festival de Cannes por la palma de oro, reafirmando la posición única que ocupa Martel dentro del panorama cinematográfico mundial. Con sus películas La libertad (2001), Los muertos (2004, Fantasma (2006) y, más recientemente, Liverpool (2008), Alonso ha terminado consagrándose, también, como uno de los autores más prolíficos de Latinoamérica. Desde los comienzos y hasta nuestros días se han estrenado casi 2.500 películas argentinas, siendo los años 2004 y 2005 con 66 y 63 respectivamente, los que registran la mayor cantidad de estrenos. En 2009 se estrenó la película El secreto de sus ojos (ganadora del Oscar a Mejor Película en Lengua extranjera del 2010), de Juan José Campanella, basada en la novela La pregunta de sus ojos de Eduardo Sacheri. El film cuenta con las actuaciones de Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella, entre otros artistas de renombre. Con más de 2.000.000 de espectadores, se convirtió en la segunda película argentina más taquillera de toda la historia del cine nacional; superada solo por Nazareno Cruz y el lobo de Leonardo Favio, estrenada en 1975. Un año después, se estrenó Carancho, de Pablo Trapero, que fue nominada para los Premios Oscar de 2010, pero quedó en la preselección. Actuaciones de Ricardo Darín, Martina Gusman, Carlos Weber, José Luis Arias y otros.Wikipedia

palito ortega - la sonrisa de mama (pelicula).avi

Leonardo Favio en la presentación del libro "La memoria de los ojos"

POEMA PARA MI HIJO LEONARDO FAVIO INTÉRPRETE

LEONARDO FAVIO BIOGRAFIA

COMENTARIOS DE LOS ARTISTAS - Alfredo Alonso López - Pintor

Alfredo Alonso López - Pintor

Amigos, y ahora que voy a Nueva York, buscaré estar nuevamente frente a ésta hermosa obra maestra, una de mis favoritas, ¿la reconocen?, ésta pintura vivió mucho tiempo en Austria y es de llamar la atención cómo fue que finalmente llegó a la "Neue Galerie" en Estados Unidos, alguien nos quiere decir ¿cómo se llama?, ¿quién la pintó?, y ¿cuál es su historia?, es un óleo, plata y oro sobre lienzo de 140*140 cm, poseedor de una belleza extraordinaria!!! *********************************************************************************************************************************************

Amigos, les comparto otra de las obras que viven en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, pintada en el año de 1889 por el gran pintor holandés Vincent van Gogh, acompañada por un magnífico pensamiento del mismo artista, y así desearles muy buenas noches!!!!!!! "Los pescadores saben que el mar es peligroso y la tormenta, terrible, pero eso no les impide hacerse a la mar." La Noche Estrellada, (1889). ********************************************************************************************************************************************

Amigos de Galería "Mexicana del mundo" FRIDA KAHLO, muchas gracias por la invitación a compartir mi trabajo. Les platico que ésta pintura busca ser un humilde homenaje a Frida Kahlo, donde busco acercarme a la interesantísima y compleja personalidad de la gran artista tomando como base su obra, así que recuperé algunos motivos que Frida uso de forma recurrente en sus pinturas y elegí una paleta de colores con la que pudiese lograr mayor fuerza expresiva, sin perder la identidad mexicana, al contrario, ojalá les guste. Homenaje a Frida Kahlo. Óleo sobre tela. 2014. 60*70 cm. Alfredo Alonso López - Pintor. **********************************TRABAJO DEL ARTISTA ALFREDO ALONSO LÓPEZ *****************************************************************************************************************************************

Amigos, hoy en México celebramos el "Día del Niño", así que aprovecho para mandar una felicitación a lo mejor que tiene nuestro mundo, los niños. Me encanta el pensamiento del escritor indio Tagore, quién decía que cada niño que viene al mundo nos enseña que Dios aún espera del hombre, y así es, aprendamos a educarlos y hacerlos felices, y claro, para los adultos, no perdamos al niño que llevamos dentro. Aquí les dejo también algunos pensamientos maravillosos y la imagen de una pintura que hice el año pasado, que ya algunos de ustedes conocen, donde aparece un pequeñito que con muy poquito, ve el mundo de muchos colores, "Feliz Día del Niño": "Los niños son la esperanza del mundo." José Martí. "El niño que no juega no es niño, pero el hombre que no juega perdió para siempre al niño que vivía en él y que le hará mucha falta." Pablo Neruda. "Lo maravilloso de la infancia es que cualquier cosa es en ella una maravilla." Gilbert Keith Chesterton. *****************************************PINTURA DEL ARTISTA ALFREDO ALONSO LÓPEZ ****************************************************************************************************************************************

Placido Domingo- Los Vareadores de Luisa Fernanda

Zarzuela, Luisa Fernanda completa

KATIUSCA - PARTES 1 Y 2 - ELENCO

"Katiuska" zarzuela parte 1 Zarzuela en dos actos con música de Pablo Sorozabal y libreto de Emilio González del Castillo y Manuel Martí Alonso. Grabación realizada en el Teatro Calderón de Madrid durante la temporada lírica de 1995 Elenco: Dirección musical: José A. Irastorza Katiuska: María Rodríguez Pedro Stakoff: Carlos Mariño Príncipe Sergio: Rafael Lledó Tatiana: Pepa Rosado Boni: Pedro Pablo Juárez Bruno Brunóvich: Enrique del Portal Olga: Amelia Font Amadeo Pich: Pepe Ruíz Korka: Santiago Muriente Miska: Antonia Pantoja Coros Teatro Calderón Ballet Alhambra

LISTADO DE ZARZUELAS

WIKIPEDIA Zarzuelas[editar] El lucero del alba, 1879 Manuel Fernández Caballero. Adiós a la bohemia, (1933) Pablo Sorozábal Agua, azucarillos y aguardiente, Federico Chueca Alma de Dios, José Serrano. Antoñita Regadera, Alfonso Luna Black, el payaso, Pablo Sorozábal Bohemios, (1904), Vives. Don Gil de Alcalá, (1932), Manuel Penella Don Manolito (1943). Doña Francisquita, (1923), Vives. El año pasado por agua, (1889), Federico Chueca. El asombro de Damasco, Pablo Sorozábal. El barberillo de Lavapiés, Francisco Asenjo Barbieri. El bateo, Federico Chueca, 1901. El caserío, Jesús Guridi. El chaleco blanco, Federico Chueca. El dúo de La africana, Manuel Fernández Caballero El huésped del Sevillano, Jacinto Guerrero El juramento, de Gaztambide. El niño judío, Pablo Luna El rey que rabió, de Chapí. El santo de la Isidra, de Carlos Arniches. El señor Joaquín, Gigantes y cabezudos, Manuel Fernandez Caballero Jugar con fuego, 1854. Katiuska, Pablo Sorozábal, 1933. La alegría de la huerta, Federico Chueca La boda de Luis Alonso, Gerónimo Giménez La bruja, 1887, Chapí La calesera, (1925), Francisco Alonso La canción del olvido, 1928. La chiclanera, (1887), Manuel Fernández Caballero La chulapona, Federico Moreno Torroba La corte de Faraón, Vicente Lleó La Dogaresa, Rafael Millán. La dolorosa, José Serrano. La fiesta de San Antón,de Arniches. La fontana del placer, José Castel. La Gran Vía, Federico Chueca. La generala, La del manojo de rosas, Pablo Sorozábal 1934. La leyenda del beso, Reveriano Soutullo, y Juan Vert La montería, Jacinto Guerrero. La parranda, de Francisco Alonso. La patria chica, 1907. La pícara molinera, Pablo Luna 1929. La revoltosa, Ruperto Chapí, 1897. La rosa del azafrán, ((jacinto guerrero)). La del Soto del Parral, Reveriano Soutullo, y Juan Vert. La tabernera del puerto, Pablo Sorozábal 1936. La tempestad, de Chapí. La tempranica, Jerónimo Giménez. La serva patrona, (1733), Giovanni Battista Pergolesi|Il prigionier superbo La verbena de la Paloma, Tomas Breton, 1894. La viejecita, 1897 de Manuel Fernández Caballero. La villana, Federico Moreno Torroba. El chico del cafetín (1911) de Rafael Calleja. Las golondrinas, de Usandizaga. Luisa Fernanda, Torroba. Los claveles, José Serrano. Los gavilanes, Jacinto Guerrero, 1924. Los sobrinos del capitán Grant 1877. Maria La O, Ernesto Lecuona (1930). Marina, Emilio Arrieta, 1855. Maruxa, Amadeo Vives, 1913. Me llaman la Presumida, F.Alonso. Molinos de viento, (1910) Pablo Luna. Pan y toros (1864), Francisco Asenjo Barbieri.

ZARZUELA SIGLO XX

Siglo XX - ZARZUELA Interior del Teatro de la Zarzuela de Madrid En los primeros años del siglo XX, se componen obras de mayor calidad musical como El puñao de rosas, La alegría del batallón, El trust de los tenorios en el género chico y Doña Francisquita de Amadeo Vives, La calesera o, un poco antes Gigantes y Cabezudos)2 1898", del maestro Manuel Fernández Caballero que supo ganarse muy bien a la crítica componiendo una obra muy del "gusto popular". La zarzuela se va manteniendo con estas producciones que, a veces, se ajustan a la estructura musical de una ópera italiana, gracias a autores de la talla de Francisco Alonso, José Padilla, Pablo Sorozábal, Federico Moreno Torroba, Rafael Calleja, Pablo Luna, José Serrano Simeón y Jacinto Guerrero. La guerra española abre un paréntesis nefasto que acaba por agravar el mismo problema que había los años anteriores y en la posguerra, la decadencia es casi total. No existen apenas nuevos autores para este género y no se renuevan las obras por no cuajar los estrenos como lo hicieron en otras épocas. Por otro lado, la zarzuela existente es difícil y costosa de representar y sólo aparece esporádicamente, por temporadas, durante unos pocos días o semanas. En estos primeros años del siglo se empieza a dar el apelativo de género ínfimo a las representaciones conocidas como revistas. Son obras musicales con una conexión de ideas algunas ideas de la zarzuela pero más ligeras y atrevidas, con números escénicos que, en la época, se calificaron de «verdes», es decir, pícaros para los tiempos de hoy, que hablaban o ponían sobre la mesa la evolución de la sociedad sobre temas sexuales y con letras de doble intención, en casi todas hay "cuplés". Una de estas obras fue La Corte de Faraón, basada en la opereta francesa Madame Putiphar. La música se hizo tan popular que algunos de sus números acabaron siendo verdaderos cuplés difundidos por el público. Expansión en Latinoamérica[editar] Los siglos XIX y XX fueron épocas de gran producción de zarzuelas en la América Latina, en especial en Venezuela, Cuba, México y Argentina, de donde salieron grandes obras que todavía son presentadas internacionalmente como El cumpleaños de Leonor, de Montero que era la historia de una mujer mayor que al descubrir la traición de su marido buscaba una vida mejor en la gran ciudad ; María la O de Ernesto Lecuona y La Media Naranja del íbero-argentino Antonio Reynoso. Argentina: zarzuela, sainete criollo y tango[editar] En Argentina la zarzuela comenzó a difundirse en la segunda mitad del siglo XIX en el mismo momento en que se generaba el tango, a partir de la fusión de diversos estilos locales, de origen africano, gaucho e indígena, y otros aportados por contingentes inmigratorios de diferentes partes del mundo que estaban llegando en gran cantidad al país. La zarzuela, como género específico, tuvo mucho éxito popular hasta la segunda mitad del siglo XX. Varios músicos argentinos compusieron zarzuelas, como Carlos López Buchardo con Amalia, La Pericona y Madame Lynch. Antonio Videgain García que vivió allí compuso alguna obra de este corte y Francisco Alonso, por su parte, compuso Manuelita Rosas (1941), una zarzuela ambientada en Argentina.3 Pero la zarzuela además fue una importante influencia en la gestación del tango. De hecho, la primera vez que se usó la palabra "tango" para nombrar al género musical, fue en una zarzuela, Justicia Criolla de Ezequiel Soria.4 Pero además la zarzuela fue una de las fuentes del tango, dando lugar al tango "azarzuelado",5 a la vez que influyó en la creación de un género dramático-musical de Argentina, que adoptó el nombre de "sainete criollo", designado a excepcionalmente también como "zarzuela criolla", que tuvo enorme éxito popular, con obras destacadas como El conventillo de la paloma de Alberto Vacarezza.1 Las sarswelas de Filipinas[editar] Artículo principal: Sarswela La zarzuela llegó a las Filipinas en 1879 o 1880, cuando el grupo de Dario de Céspedes presentó el Juego de fuego en Manila. Desde entonces, varios grupos filipinos comenzaron a hacer su proprias zarzuelas en varios idiomas indígenas. Las más populares fueron escritas en tagalo, pampangueño, ilocano, cebuano, panayano y samareño. La primera sarswela conocida en samareño es An Pagtabang ni San Miguel (El Ayuda de San Miguel) de Norberto Romualdez, mientras Ing Managpe de Mariano Proceso Pabalan Byron es la primera en pampangueño. El héroe nacional José Rizal, músico además de literato, es autor de la zarzuela llamada Junto al Pásig. A la llegada del vodevil, las sarswelas perdieron su popularidad, pero renovaron su éxito con la llegada del cine. Muchas sarswelas, principalmente las tagalas, se filmaron para el cine. Discografía[editar] A partir de 1950 la zarzuela pudo sobrevivir en el gusto popular gracias a la discografía, un campo que se mantuvo en auge desde entonces. Se produjeron una serie de grabaciones de gran éxito, la mayoría de ellas dirigidas por el músico español Ataúlfo Argenta colaborando músicos tan respetados como Mary Carmen Alvira o Julián Parera. Las mejores voces del momento aparecieron en estos discos, cantantes mundialmente famosos que profesionalmente se dedicaban a la ópera y a los recitales. Voces como las de Teresa Berganza, Ana María Iriarte, Carlos Munguía, etc., participaron en las grabaciones. Se añadieron los coros del Orfeón Donostiarra y Coro de Cantores de Madrid contribuyendo a darles una gran calidad. Pero por otro lado enturbió el recuerdo de los cantantes del estreno que empezaron a no ser recordados como los participes del éxito de esas obras. Tras la muerte de Ataúlfo Argenta se incorporaron los directores Indalecio Cisneros, García Asensio, y otros. Incluso hubo grabaciones raras por que fueron dirigidas por el propio autor de la obra por el motivo que argumente anteriormente, como fue el caso de Pablo Sorozábal y Federico Moreno Torroba. En esta etapa participaron en las grabaciones nuevas y grandes voces consagradas: Monserrat Caballé, Alfredo Kraus, Plácido Domingo, Juan Pons, etc. Interés por el género[editar] Durante los años 60, Radio Televisión Española inició la producción de una serie de zarzuelas interpretadas por conocidos actores del momento, tales como José Moreno, Antonio Casal, Juan Luis Galiardo, María Cuadra y María José Alfonso), con buenas direcciones musicales, normalmente a cargo de Federico Moreno Torroba, y utilizando voces cubriéndolos sus deficiencias al doblarles con personajes líricos de reconocido prestigio como Alfredo Kraus o Luis Sagi Vela para los números vocales, grabados con la técnica del playback. Muchas de ellas fueron dirigidas por Juan de Orduña y se emplearon, en lo posible, escenarios naturales para la grabación de las mismas, lográndose obras de notable calidad, especialmente en el apartado musical. Con este sistema se grabaron, por ejemplo: La revoltosa (1969), con José Moreno y Elisa Ramírez como actores. Bohemios (1969), interpretada por Antonio Durán y Dianik Zurakowska. La canción del olvido (1969), con Juan Luis Galiardo y María Cuadra. El huésped del sevillano (1970), con Rubén Rojo, María José Alfonso y María Silva. El caserío (1972), interpretada por Armando Calvo y Paca Gabaldón. En los últimos años de 1970 se reaviva el interés por la zarzuela, en especial por su música. En toda Europa se desencadena un renacer de la afición por los espectáculos líricos, sobre todo entre la juventud. Este renacimiento repercute en España que muestra un gran interés por la zarzuela. El empresario José Tamayo pone en escena un espectáculo teatral de gran producción hacia tiempo olvidado, Antología de la zarzuela, representando los fragmentos más populares del repertorio de zarzuela moderna con cantantes de primera línea, montaje que se mantiene durante décadas renovando los números incluidos.[1] Las casas discográficas ofrecen colecciones cuyos discos van acompañados de un fascículo que contiene la sinopsis de la obra y algunos datos del autor. La radio y la televisión dedican varios espacios a su programación. Los programas que TVE ofreció con el título de Antología de la zarzuela, basados en playbacks de las grabaciones de mediados de siglo representados en estudio de TV con vestuarios y baile, gozaron de una gran audiencia. En cuanto a los años más recientes, según datos de la SGAE en 2006 la zarzuela experimentó un aumento de más de un 4%.6

"Katiuska" zarzuela parte 1

"Katiuska" zarzuela parte 2

TLA - Doña Francisquita (Completa)

LA ZARZUELA

Zarzuela Portada de la edición de Doña Francisquita La zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico surgido en España con partes instrumentales, partes vocales (solos, dúos, coros...) y partes habladas. Su nombre procede del Palacio de la Zarzuela, nombre recibido del palacio real de la zarzuela en el bosque junto a Madrid, en donde se hallaba el teatro que albergó las primeras representaciones del género. La zarzuela se cultivó con muchos aciertos al trasladarse a Cuba, donde destacaron los compositores Gonzalo Roig y Ernesto Lecuona, y Rodrigo Prats, Eliseo Grenet, Argentina, en cuya capital hasta en 3 teatros se representaba La verbena de la Paloma el año de su estreno y a Venezuela, con José Ángel Montero y Pedro Elías Gutiérrez. En Argentina, la zarzuela, el sainete y el tango conformaron un nuevo género peculiar de gran éxito popular conocido como sainete criollo.1 En Filipinas, la popularidad de las zarzuelas cedió a la indigenización de este género. Durante la colonización norteamericana, las sarswelas (la forma indígena) fueron una forma mayor de mostrar resistencia a fuerzas extranjeras. Honorata 'Atang' de la Rama fue conocida como la Reina de la Sarswela Filipina. Esta forma de la Arte se llama también zarzuelta en varios lugares del país. La zarzuela es la forma española de la Opereta, representación teatral que, a diferencia de la ópera, no es totalmente musical sino que alterna partes habladas y partes musicales. Historia Parece ser que los primeros autores que aportaron a este nuevo estilo de teatro musical fueron Lope de Vega y Calderón de la Barca. Según las investigaciones, Calderón de la Barca es el primer dramaturgo que adopta el término de zarzuela[cita requerida] para una obra suya titulada El golfo de las sirenas que se estrenó en 1657 y que interpretaba la vida de un joven aventurero que emprendía un largo viaje lleno de misterios y peligros. Lope de Vega El insigne Lope de Vega escribió una obra que tituló La selva sin amor, comedia con orquesta. Según el autor era «cosa nueva en España». En el prólogo de 1629 de esta obra se dice: «Los instrumentos ocupaban la primera parte del teatro, sin ser vistos, a cuya armonía cantaban las figuras los versos en aquella frondosa selva artificial, haciendo de la misma composición de la música las admiraciones, quejas, iras y demás afectos…». Sin embargo, sólo se conserva la música suficiente en la obra Los celos hacen estrellas de Juan Hidalgo y Juan Vélez de Guevara, que se estrenó en 1672. Con esta obra se puede tener una idea de cómo era este género en el siglo XVII y como marcó la diferencia para las siguientes doctrinas del género. Busto de Ramón de la Cruz en Madrid (L. Coullaut, 1913) El siglo XVIII da entrada a la dinastía de los Borbones; con ellos se pusieron de moda los estilos italianos en diversas manifestaciones artísticas, incluida la música y la danza en los centros de convivencia de la plebe. Las zarzuelas del siglo XVIII se convirtieron en obras estilísticamente parecidas a las óperas italianas: por ejemplo, las obras de Antonio de Literes. Pero al llegar el reinado de Carlos III, amante de las buenas representaciones teatrales, los problemas políticos provocaron una serie de revueltas contra los ministros italianos llevando el conflicto a la toma de ayuntamientos y disturbios frecuentes (como, por ejemplo, el motín de Esquilache (i.e. Squillace), hecho que repercutió en las representaciones teatrales y de nuevo imperó la tradición popular española representada, en esta ocasión, por los sainetes de don Ramón de la Cruz. La primera obra de este autor representada en este género fue Las segadoras de Vallecas (1768), con música de Rodríguez de Hita. El auge de la zarzuela y su fama le llegó en el siglo XIX, a partir de 1839, con varios músicos entre ellos destacan Francisco Barbieri y Emilio Arrieta. Muchas veces el éxito de la obra se debía a una o más canciones que el público aprende y da a conocer oralmente a los demás por medio de representaciones acústicas, como ocurría con los cuplés. El engranaje de la obra siguió siendo el mismo: números hablados, cantados, coros, que se aderezan con escenas cómicas o de contenido amoroso que, generalmente, son interpretadas por un dúo. Abundaba el género costumbrista y regionalista y en los libretos se recogía toda clase de modismos, regionalismos y jerga popular para asegurar que la interpretación fuera un éxito. Contrario a las escenas españolas de cortes o aldeas, la zarzuela cubana describía imágenes y costumbres de la época colonial, utilizando las suaves cadencias musicales que dan a Cuba tanto reconocimiento mundial. Tema popular era el señorito rico, hijo del dueño del ingenio, que aunque comprometido con una joven de su clase, cortejaba a la joven mulata, zalamera y atrevida, con quien tenía amores prometiéndole matrimonio. El final era por lo general truculento, con desengaños, pasión, celos y lágrimas. Estos impresionantes finales no restaban un ápice a la belleza de la música, antes bien ponían énfasis en las habilidades y talentos histriónicos y musicales de los artistas de la interpretación teatral y musical del Divino Maestro. Pan y toros, zarzuela de Barbieri (1864). Relieve del Monumento a los Saineteros Madrileños (Madrid, L. Coullaut, 1913). En ésta época de mediados del siglo se divide en género chico, (zarzuelas de un solo acto) y género grande (zarzuelas de dos, tres o más actos). Se adoptan temas costumbristas, populares, cómicos y bailes españoles. Algunos músicos respetados de esta época son Emilio Arrieta, Federico Chueca, Fernández Caballero, Tomás Bretón y Ruperto Chapí. Después de la Revolución de 1868, el país entró en una profunda crisis (sobre todo económica) que se reflejó también en el teatro. El espectáculo teatral era caro y ya no se podían pagar aquellos precios. Fue entonces cuando el Teatro Variedades de Madrid tuvo la idea de reducir el precio del espectáculo y, al mismo tiempo, la duración de la representación. Una función teatral duraba, por aquel entonces, cuatro horas y se redujo a una hora. Fue lo que se llamó teatro por horas. La innovación tuvo un gran éxito y los compositores de zarzuelas se acomodaron al nuevo formato creando obras mucho más cortas pero el verdadero triunfo tardó diez años hasta 1879. A las zarzuelas de un solo acto se las clasificó como Género chico y Género grande a las zarzuelas de dos, tres actos o más. La zarzuela grande fue batallando en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, pero con poco éxito y poco público. A pesar de esto, en 1873 se abrió un nuevo teatro Apolo de Madrid, que compartió los fracasos con el anterior, por querer hacerle un lugar para el drama y la comedia, hasta que no tuvo más remedio que cambiar el espectáculo al género chico en el que triunfó durante décadas.

LA ZARZUELA-ELENCOS

ZARZUELA LA REVOLTOSA Credits: Music - Ruperto Chapi Libretto - Carlos Fernandez Shaw and Jose Lopez Silva Premiered on 25 November 1897 at the Teatro Apolo, Madrid This performance: Teatro Calderon, Madrid, 1995 Felipe - Carlos Marin Mari Pepa - Maria Rodriguez Candido - Pepin Salvador Candelas - Enrique del Portal Gorgonia - Pepa Rosado Atenedoro - P.Pablo Suarez Soledad - Rosa Martin Tiberio - David Muro Encarna - Amparo Madrigal Coros - Teatro Calderon Ballet Alhambra Artistic Director - Jose Luis Moreno Conductor - Jose Irastorza ******************************************************************************************** LA CORTE DE FARAÓN - ZARZUELA. Grabación realizada en el Teatro Auditorio Buero Vallejo de Guadalajara en diciembre de 2004 Elenco: Dirección artística y coreografía: Carlos Vilán Director coral y musical: Tulio Gagliardo José: Adolfo de Grandy Lota: Silvia Vázquez Reina: Guadalupe Sánchez Faraón: Paco Maestre Putifar: Juan Carlos Barona Sacerdote: Elía Todisco Arikón: Fedor de Pablos Artemisa: Olivia Martín Raquel: Noemí Mazoi Viuda Sel: Belén Pérez Viuda Tar: Adriana Rodriguez Viuda Ral: Carmen Rivera Babilónica: Mª José Santos de Dios Copero: Miguel Ferrer Setí: Borja Quiza Sehla: Jonathan Fernández Ismaelita: Álex Esteve Shalex: Joan Martínez Ballet "Filarmonía" de Madrid Coro "Filarmonía" de Madrid ******************************************************************************************* LA VERBENA DE LA PALOMA" ZARZUELA libreto de Ricardo de la Vega y música de Tomás Bretón. Grabación efectuada en el Teatro Calderón de Madrid en 1995 Elenco: Director musical: Jose A. Irastorza Susana: María Rodríguez Julian: Carlos Marín Rita: Guadalupe Sánchez Don Hilarión: Enrique del Portal. Tía Antonia: Pepa Rosado Tabernero: Pepe Ruíz D.Sebastián: Emilio Carretero Cantaora: Lola Merino Mozo 2º: David Muro Casta: Amelia Font Mozo 1º: Pedro Pablo Juárez Ballet Alhambra ******************************************************************************************

Zarzuela "La Revoltosa"

LA CORTE DE FARAÓN - ZARZUELA

"LA VERBENA DE LA PALOMA" ZARZUELA

Antología de la Zarzuela - Parte 1 de 2

Antología de la Zarzuela - Parte 2 de 2

LA ZARZUELA ESPAÑOLA -

ARTE- LA FOTOGRAFÍA

Fotografía

-La primera fotografía conocida La fotografía es el arte y la técnica de obtener imágenes duraderas debidas a la acción de la luz.1 Es el proceso de capturar imágenes y fijarlas en un medio material sensible a la luz. Basándose en el principio de la cámara oscura, se proyecta una imagen captada por un pequeño agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido. Para capturar y almacenar esta imagen, las cámaras fotográficas utilizan película sensible para la fotografía analógica, mientras que en la fotografía digital, se emplean sensores CCD, CMOS y memorias digitales. Este término sirve para denominar tanto al conjunto del proceso de obtención de esas imágenes como a su resultado: las propias imágenes obtenidas o «fotografías». Historia[editar] Artículo principal: Historia de la fotografía Primera fotografía permanente, de Niepce, 1826. El grabado heliográfico más antiguo que se conserva, reproduciendo un grabado flamenco. Ensayo realizado en 1825 por Niépce, por contacto, sin cámara oscura. Ventanal de la Abadía de Lacock. Fotografía de Fox Talbot, en agosto de 1835, ensayando su procedimiento del calotipo. Copia positiva, a partir del negativo más antiguo que se conserva. Zaragoza, La torre nueva o torre inclinada (1865-1867). Fotografía original de José Martínez Sánchez, asociado a J. Laurent. Copia a la albúmina, a partir de un negativo de vidrio al colodión húmedo, de 27 x 36 centímetros.

Fotografía en color, hacia 1915, por Serguéi Mijáilovich Prokudin-Gorskii.

La invención de la técnica fotográfica es el resultado de la combinación de diversos descubrimientos técnicos. Entre los precursores se encuentran el filósofo chino Mo Di, los griegos Aristóteles y Euclides que describieron una cámara oscura en los siglos V y IV AC,2 3 el matemático bizantino Antemio de Tralles que en el siglo VI utilizó una forma de cámara oscura en sus experimentos;4 y cuatro siglos después, el matemático árabe Alhacén hizo un claro y profundo estudio acerca de la cámara oscura y la proyección estenopeica.3 5 En el campo de la química, San Alberto Magno descubrió las propiedades del nitrato de plata,6 y Georges Fabricius (1516–1571) las del cloruro de plata. En 1568, Daniele Barbaro describió el mecanismo de un diafragma,7 y en 1694, Wilhelm Homberg describió el efecto fotoquímico que producía el oscurecimiento de algunos materiales en presencia de la luz.8 Los artistas ya empleaban la cámara oscura como un recurso para reproducir imágenes y en la L'Encyclopédie de 1751 se describen diferentes tipos que podían utilizarse.9 El primer procedimiento fotográfico fue el fotograbado, descubierto por Joseph Nicéphore Niépce en la década de 1820. En 1826 consiguió su primera imagen (postivo directo) permanente: una vista desde su ventana en Le Gras; utilizando una cámara oscura y como material sensible a la luz una mezcla de betún de Judea. El tiempo de exposición necesario para obtener estas imágenes era muy largo: varias horas en un día soleado. En su búsqueda por un método más efectivo, se asoció con Louis Daguerre y experimentaron con compuestos de plata, fundamentándose en un estudio previo de Johann Heinrich Schulze de 1816, donde mostraba que una mezcla de plata y tiza se oscurecía con la exposición a la luz. Tras la muerte de Niépce en 1833, Daguerre continuó trabajando en solitario, desarrollando en 1837 el proceso conocido como daguerrotipo, y difundiéndolo al mundo en 1839. Los estudios de Niépce permanecieron ocultos hasta años después; como consecuencia algunos historiadores consideran el año 1839 como el año cero de la fotografía propiamente dicha. La fotografía nace en un momento de tránsito de la sociedad pre-industrial a la sociedad industrial, favorecida por las innovaciones técnicas de la época. También influye en su nacimiento la filosofía positivista, que establece que cada elemento de la Naturaleza debe ser probado empíricamente. La burguesía es la clase social dominante del momento, que utiliza el retrato como instrumento de autorrepresentación, y afirmación de su ascenso social.10 El daguerrotipo consiste en la obtención de una imagen sobre una superficie de plata pulida. Para economizar, lo normal era que las placas fueran de cobre plateado, pues sólo era necesario disponer de una cara plateada. La imagen se revelaba con vapores de mercurio, apareciendo en la cara plateada de la placa, que previamente se había sensibilizado con vapores de yodo.11 Pero era un procedimiento caro, y el equipo pesado, y precisaba de un tiempo de exposición alto, de varios minutos, al principio. Además los vapores de mercurio eran realmente dañinos para la salud. En 1840, William Henry Fox Talbot desarrolla un sistema negativo-positivo, en otro procedimiento llamado calotipo. Consistía en obtener un negativo de papel, que luego por contacto era positivado sobre otra hoja de papel. El papel se humedecía en una solución ácida de nitrato de plata, antes y después de la exposición y antes de ser fijada. Supuso el invento de la copia fotográfica, ya que un único negativo podía dar lugar a varios positivos. En 1842, el astrónomo y químico inglés Sir John Frederick William Herschel introduce el proceso llamado cianotipia. También fue el primero en aplicar los términos "positivo" y "negativo" a las imágenes fotográficas. En 1819, Herschel descubrió el poder solvente del hiposulfito de sodio en torno a las sales de plata insolubles, estableciendo un precedente a su utilización como un agente fijador en la fotografía. Informó a Talbot y Daguerre de su descubrimiento en 1839 y que éste podía ser utilizado para fijar imágenes de un modo permanente. Hizo el primer negativo de cristal a finales de 1839. Para mejorar la nitidez de las imágenes, evitando las rugosidades del papel, en 1850 Blanquart Evrard emplea el papel de albúmina. En estas copias a la albúmina, las fibras del papel están recubiertas con una capa de albúmina de huevo. Luego este papel se sensibilizaba en nitrato de plata. En 1851, Gustave Le Gray presenta el nuevo procedimiento fotográfico del colodión húmedo. El colodión se vierte líquido sobre las placas de vidrio, muy limpias. A continuación las placas se sensibilizan en un tanque con nitrato de plata, y se cargan en los chasis. Permite la obtención de imágenes negativas muy nítidas. Se llama "colodión húmedo" porque la placa ha de permanecer húmeda durante todo el procedimiento de toma y revelado de las imágenes. Esto suponía que los fotógrafos tenían que llevar consigo un laboratorio fotográfico portátil, a fin de preparar la placa antes de la toma y proceder a revelarla inmediatamente. Se generalizó así el uso de tiendas de campaña y carromatos reconvertidos en laboratorios para los fotógrafos de viajes que trabajaban en el exterior. A partir de 1855, triunfa el colodión, el procedimiento más usado del mundo hasta 1880. Entre los fotógrafos más importantes que trabajaron en España, en este periodo, empleando los negativos de vidrio al colodión, hay que citar al británico Charles Clifford, al francés J. Laurent,12 13 y al español José Martínez Sánchez.14 En 1861 el científico escocés James Clerk Maxwell, mejor conocido por su teoría electromagnética, desarrolla un método para producir fotografías en color mediante la superposición de filtros de color rojo, azul, amarillo; obteniendo de esa forma la primera fotografía cromática permanente.[cita requerida] En 1871 nace el procedimiento de las placas secas al gelatino-bromuro, que supone el empleo de una placa de vidrio sobre la que se extiende una solución de bromuro, agua y gelatina sensibilizada con nitrato de plata; que ya no necesita mantener húmeda la placa en todo momento. Se rebaja el tiempo de exposición a un cuarto de segundo, lo que permite posteriormente acercarse al concepto de instantánea fotográfica. Pero las placas al gelatino-bromuro solamente triunfaron después de 1880. En 1888, George Eastman lanza la cámara Kódak. Su gran éxito comercial fue la introducción en el mercado del carrete de película fotográfica, lo que provocó la progresiva sustitución de las placas de vidrio. En 1907 la fábrica Lumière comercializa la fotografía en color. Son diapositivas o transparencias en vidrio, conocidas como placas autocromas o Autochrome. En 1931 se inventa el flash electrónico, que se utiliza sobre todo cuando la luz existente no es suficiente para tomar la fotografía con una exposición determinada. El flash es una fuente de luz intensa y dura, que generalmente abarca poco espacio y es transportable. En 1948 nace la fotografía instantánea de Polaroid: una cámara que revelaba y positivaba la imagen en tan solo 60 segundos. Finalmente, en 1990, comienza la digitalización del ámbito fotográfico: las imágenes son capturadas por un sensor electrónico que dispone de múltiples unidades fotosensibles y desde allí se archivan en otro elemento electrónico que constituye la memoria.Wikipedia

LA FOTOGRAFÍA - ROBERTO PABLO BONATO

ROBERTO PABLO BONATO Fotógrafo entrerriano- Villa Elisa- ENTRE RÍOS -(Contemporáneo)

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Amparo Estévez Saviza - A MIS AMIGOS VIRTUALES

A MIS AMIGOS VIRTUALES Siento como entre nubes saberte mi amigo/ amiga y recuerdes que te aprecio y jamás te cambiaría Estés allí esperando encontrarnos cada día a veces Tú eres pluma en otras la vena es mía De sabernos en empatía se va el día, los días cruzas por el camino eligiendo tu senda a veces ni la miro otras la hago mía Te espero y apareces como el sol y la luna de tanto mirarla a veces extrañamos si no alumbra Amigo/amiga, tienes penas yo lo combino con fuerzas ¡Y tú me das alegría! palabras compartidas paisajes, belleza… ¡Vuelo de golondrinas! Basta con saberte ahí y caminar la vida cruzarnos por callecitas de ida o de venida La palabra es gentil y tu mano extendida ofrezco también la mía con toda mi sin razón la razón se hace mar más allá de mi vida… son olas amanecidas y el corazón las anida Como lobo sin guarida te busco por las orillas y descubro en tu rostro heridas que son las mías ¡Somos igual a Cristo en los brazos de María… Amparo Estévez Saviza La Plata-Mayo 2014 Gracias por estar siempre…

¡¡¡FELIZ DÍA DEL TRABAJO!!!