ALFREDO FILLOL - Esculturas de sus manos y con comentarios personales...

De su Blog:http://www.alfredofillol.es/?p=biografia Alfredo Fillol nació en Sevilla en el año 1956 en una calle céntrica y comercial. Único varon de la familia y no habiendo más niños en la calle, Alfredo jugaba solo. Era un niño "vertical", yendo del primer piso al segundo, del segundo a la azotea, de la azotea al palomar de la azotea. Como compañeros tenía peces, ratones, serpientes y un sinfín de bichos que recogía en verano y mantenía en invierno. De esta manera desarrolló su imaginación y también una gran habilidad manual confeccionando jaulas, acuarios y palomares. Fué su manera para aprender metalistería, carpintería, cortar vidrio... Cuando cumple diecisite años se va a vivir al campo valencinero y es allí donde, poco a poco, se convierte en un hombre "horizontal". Deja los estudios, trabaja donde puede y empieza a realizar su sueño: salir al campo con sus halcones y verlos volar en libertad. Practica la cetreria, compite en moto y anda todo el día detrás de las "hembras" de su especie...Vive lo que no había vivido en su infancia. Le coge gusto al modelado y a la talla. Empieza por los veinte años, y tras un accidente de moto y seis meses de escayola y muletas, empieza a tomarse en serio lo que cada día le apasiona más: la escultura. Deja la competición y se dedica por completo a ella y a la cetrería hasta hoy. PRINCIPIOS: Éstos fueron muy divertidos a la vez que duros y trabajosos ya que tenía que trabajar, aprender y vender a al vez, exponiendo en las mejores galerías de arte: la calle, las reuniones y exposiciones caninas y eventos cetreros. SU ESCUELA: Alfredo no se considera artista, sino hacedor de animales, copia los que ha hecho la naturaleza. Hace animales en bronce y como los ve y los piensa con toda claridad, los hace con un estilo realista. Se esfuerza mucho en darles vida, que su escultura diga lo que tenga que decir por sí misma y no por el título de la obra. Desde sus principios hasta ahora si no se tarda casi un més en hacer la escultura no queda satisfecho. FUNDICIÓN EN BRONCE: En el año 1982, Alfredo compra y monta una fundición de bronce en su estudio. Funde su obra y la de otros escultores, aunque al cabo de cinco años se cansa de tanto trabajo y de tanto ajetreo empresarial y vende la fundición. Con los conocimientos adquiridos, monta en 1988 la Casa de Oficios y Fundición de Bronce, financiada por Expo92 y el Instituto Nacional de Empleo, enseñando el oficio a veinticuatro jóvenes en un curso que duró tres años. El escultor a la escultura y el fundidor a fundir. SU OBRA

LINCE IBERICO. ( Acecho ) 68x22x25. Cms. Resina epoxi, OTR 411. Pátina bronce. 6,5 Kg. Peana de pino flandes. Esta es la escultura de la que he hablado en los otros mensajes. Haré una serie, exactas reproducciones, limitada de 50 ejemplares, numerados y firmados. Su precio es low cost, porque quiero y puedo. Hago envíos, aunque me apetece mucho más saludar a las personas y que se vea en vivo la escultura y se la lleve puesta, pero las puedo enviar a su destinatario si esto no es posible. Hago esculturas, luego soy escultor. La escultura es un arte, luego seré un artista. Esto por lógica deductiva porque por sentimiento no me considero artista, soy copista de la naturaleza. Pero bueno dejemos lo de artista. Hago arte, vale. El arte tiene que ser caro, para tener valor? Puesss no, porqué? Arte es para mí algo bello que te llama la atención, trasmite, cuando se mira se recrea uno en lo mirado, evoque, de placer... y esas cosas buenas. Hecho en un material imperecedero, mejor, para que perdure. En el caso mío, sería un animal muy símbólico nuestro, fielmente copiado del vivo, con su morfología lo má s correcta posible, una postura con fuerza, con una pátina atractiva y elegante, un tamaño mediano-grade que decore y llene el espacio y realizado con un material muy resistente, enmarcado con una peana de madera, clásica. Joé, saldrá tó esto caro, no? Pues no. Disfruto muchísimo trabajando, he conseguido unas resinas époxi durísimas a muy buen precio de costo, tengo un aprendiz que no le cobro por aprender, porque er pobre está tieso como una mojama, pero trabaja y hace lo que a mi me da coraje, osea las reproducciones, un buen quid pro quo. He terminado una cosita que me ha gustado bastante, ma dejao satisfecho, me gusta mirarla, a mí y a mis cercanos. Se une esto lo que comentaba antes de los materiales y manos de obra; tiene que salir cara la escultura? Pues no señor, voy a hacer una serie limitada, 50, numerada y firmada y a un precio atractivísimo. Al que le guste el arte, no tiene que ser rico para tenerlo. Homeee regalao no, porque no se puede, ojalá, peeeero mu, mu, are glaí...

El popurrí de esculturas, viejas, sucias, restos de series, una que guardo para mi y ya la repasaré... restauradas y vueltas a la vida , han formado una coleccioncita que me alegra la vista . Desde los ochenta has los dos mil, piezas variadas, salidas de mis manos. Las veo y recuerdo cosas y casos y me digo a mi mismo que cómo pasa el tiempo! Un mueblecito ad hoc y a ponerlas en casa en su lugar adecuado.

El busto es de los noventa y tantos larguitos, un poco más reciente que los últimos trabajos que he subido. Queda una cabeza de Aguila imperial por ahí que también va al archivo y ya dejo de recuperar restos de series, y cosas viejas. A lo nuevo. Busto de lince. Mediano formato. Pátina bronce.

Del año, 82-83, sus treintaitantos years hace que hice este doberman. Mi segundo bronce, el primero recuerdo que fue un foxterrier y a ese le he perdido la pista. Esta figura irá al archivo que estoy haciendo. Para mi ti ene mucho valor, por los años que hace que la hice y porque fue de los primeros bronces que fundí. Un escultor verde, vehemente y con poca paciencia y una fundición rudimentaria y con poca experiencia sacaron esta , para mi entonces, magnífica escurtura de un perro

Don Bosco. Esta pieza no es tan antiguilla como las otras, es del 2004. Le hice un molde para sacar la cera y fundirla en bronce y de ese molde ya pachucho, he sacado la copia en epoxi, con un considerable repaso. Como en casa gustó, otra para el archivo. Es curioso que como rechacé la fisionomía representada por la estampita súperconocida del oleo del Bosco, muy acaramelado y redondeado, hice mi Bosco, con fotos antiguas de él en vida, en blanco y negro, con su rostro más real y expresiones naturales. La escultura tuvo grandes halagos y grandes detracciones. Ese es el Bosco!! Unos. No se parece en nada! Por la estampa, otros. Las cosas.

Verraco, Macareno, Arocho, Guarro, Cochino. Jabalí. A esta escultura le guardo especial cariño, por lo que me gustan los jabalies, y por lo bien que se vendieron los bronces. Contento estoy de haberla rscatado y repasado en bastantes buenas condiciones. Año 90-91. Mediano formato.

Si ogaño se vendieran los bronces de sobremesa, como antaño, me podría ir a las Seichelles para bañarme en esas aguas y ver a las tortugas gigantes en su hábitat. Ahora nos vamos a Mazagón, ques mu bonita su playa y está a la vera de Doñana, jajaja. Más para el archivo. Cabra hispánica. Pequeño formato.

Más recuperaciones para el nuevo expositor-archivo.oTRO Principios de los 90. Lince ibérico. Pequeño formato.

Oso cantabro o pirenaico o iberico, el nuestro. Pequeño, gordote, pelin paticorto, cabezoncete. Mediano formato, también rescatado y repasado del sucio archivo al nuevo. Del año 90 aproximadamente.

Matriarca. Elefanta africana. Mediano formato. Esta pieza es del año 1991, rescatada de las estanterías polvorientas . Siempre de las series, en este caso bronces, que se vendían con cierta alegría, guardo una copia en resinas o poliuretano, pal archivo. Como casi todas las esculturas de esas fechas de las que guardo cop ias están bastante bien conservadas, las estoy terminando y patinando; con su peana en madera clásica, irán al archivo pero esta vez en un mueblecito acristalado y en casa, para que luzcan mejor que en el taller . Sabios consejos me dan mis mujeres, que yo acepto con gusto.

Los siete Argantonios se acabaron con pátina bronce viejo y peana de madera redonda. Así se eligió. Aunque la marfil no me desagradaba, el bronce es el bronce.

Pues como el tornero que me está haciendo las peanas redondas para los Argantonios está lento no, lo siguiente, he aprovechado la espera y las fresitas y cabezales nuevos para el micromotor que compré para repasar la serie argantoniana, y me he repasado-restaurado una antigua escultura, una pieza que no salió del todo bien de una serie larga y no tiré. Ni-Kasio, un luchador de sumo, que se utilizó de regalo a los ponentes de un congreso sobre la diabetes, curioso el tema. El organizador y patrocinador le gustó el símbolo del gordo-atlético-deportista, lo enlazó con las ponencias, -Dieta- Deporte- y -Autocontrol. jejeje como el luchador de sumo y se entregó como regalo a los ponentes y asistentes de renombre. Veinticinco se hicieron.

Pues ya está la máquina en marcha, terminado el primero. La pátina bronce viejo es apostar sobre seguro, peeero la marfil cada vez me gusta más y está gustando. Argantonio, - El hombre de plata- M ítico rey tarteso . Símbólicamente desnudo, paz y cultura cómo los tartesos se suponen que eran, sin vestiduras, sólo las joyas del tesoro del carambolo, atribuidos a su cultura y tiempo histórico .

Las series largas no me gustan, es más gratificante hacer algo nuevo que repetir una y otra vez lo ya hecho; en este caso no me es muy monótono porque cada reprodución está , e irán las siguientes, patinadas de diferentes maneras, bronce cuero, bronce mármol, bronce viejo, marfil, policromadas en castaño, cárdeno, etc Así, aún siendo una serie repetitiva, me lo paso bien acabando cada reprodución con aspecto diferente. Busto de toro.

Una idea. Delfines nadando, no saltando fuera del agua con un soporte imitando olas que es como están todas las figuras de delfines. Para pared con soporte lo más tráslucido posible en metacrilato. Las estrellitas son para disimular los tornillos de fijación.

Como estaba jarto de hacer el molde del caballo, se va a llevar doce sacos de escayola, que serán 12 por 25, 300 kilitos más el agua de la escayola, serán 500 kilos en total todas las piezas. Verás luego para moverlo!!! Qué caló. Pues eso, para descansar un par de días me he entretenido recuperando, repasando, terminando y patinando, esta pieza, hecha en el 1991, cuando lo que hacía era pequeño formato. Un rino indio.

La semana que viene si dios quiere, empezamos con el molde. Sólo queda cuando el barro esté más seco, perfilar y suavizar pelo y mechones. De morfología creo que está correcto, es un cartujano o andaluz, o español, o P.R.E., no un caballo como salga, y para ser mi primer caballo estoy satisfecho.

Nunca me he considerado artista, hago esculturas, bueno y qué, pero no me veo de artista, no se porqué. Hago más cosas y todas me apasionan, así que como no estoy dedicado en cuerpo y alma a hacer esculturas, por eso quizás no me vea yo mucho de artista. Después de ver y oir al colega en este video, me acabo de considerar artista o por lo menos quiero serlo. http://www.youtube.com/watch?v=6X08zzXWzag#t=229 ¡¡¡MI ADMIRACIÓN AL ARTISTA Y TAN HUMILDE HOMBRE!!!

Castagnino en el Bellas Artes

MURALES DE CASTAGNINO

JUAN CARLOS CASTAGNINO.rm

JUAN CARLOS CASTAGNINO

JUAN CARLOS CASTAGNINO

http://www.arteargentino.com/sala/castagnino/biografia.htm Pintor y dibujante argentino, nace en Mar del Plata en 1908; m. en 1972. (GRAN PREMIO DE HONOR DEL SALON NACIONAL AÑO 1961) Egresa de la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova completando su formación con Spilimbergo, Victorica, Gómez Cornet y, en París, con Bracque, Picasso y André Lothe. Realizó variadas actividades vinculadas con la cultura tanto desde cargos oficiales como desde la actividad privada. Ha recibido importantes premios en el país y en el exterior, entre los que se destacan: Premio Especial al dibujo en la Bienal de México (1962), Medalla de Honor en pintura de la Feria Internacional de Bruselas y en el Salón Internacional de Saigón (1962-1963).Su obra figura en numerosos museos de arte y en importantes colecciones particulares. ___________________________________________________________________________ " Castagnino centra su pintura en el hombre. Integra la figura humana en el paisaje, ennoblece la presencia de sus criaturas de carne y hueso,sin atemperarles demasiado la dureza del gesto con que las ha señalado la vida. Advertimos de pronto una serenidad "giacondesca " en algunos de sus retratos de mujeres de pueblo, cuyas manos repiten el gesto del cuadro de Leonardo. Gentes del norte, paisajes del Paraná o del Uruguay, orillas marplatenses, arrabales porteños: muchos y diversos ámbitos del país han dado a Castagnino tema para su interpretación entrañable.Su impronta nacional, sin embargo, no se alcanza por la sola virtud de su temática tan nuestra, sino, sobre todo, por una atmósfera, por un particular resplandor de los cielos, por un color que parece aprendido de la tierra. Son de Castagnino esas barrancas rojizas junto a las aguas tendidas, con el agreste penacho de unas verdes matas. Le pertenecen esos caballos criollos de acarnerado perfil en la nerviosa cabeza, sueltas las crines, anchas las narices que husmean la libertad en el aire; la osamenta vacuna, blanqueada por el sol y el viento, bajo cuya cornamenta, en las órbitas desmesuradas, el pasto joven o el cardo amoratado recomienzan la vida; ciertas maternidades obreras, en las que la ternura lírica no debilita el impacto de la dolorosa y muda protesta; son, por fin, de este seres y cosas del pueblo, a los que él ha sabido acercarse con solidario fervor. LEON BENAROS

Huellas. Arte argentino: Juan Carlos Castagnino II - Canal Encuentro

Artista chino crea sorprendentes esculturas en papel que superan la real...

LAS 20 ESCULTURAS MAS ASOMBROSAS DEL MUNDO

Las estatuas más famosas del mundo

Lola Mora: artista-escultora

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Albrecht Dürer

Obras comentadas: Autorretrato, Alberto Durero, (1498), por Cristina Igl...

Durero y Cranach. El Renacimiento Alemán.

Yo, Albrecht Dürer - Documentales DW.DE

PINTOR ALBERTO DURERO

La Pintura de EMILIO PETTORUTI (1892-1971)

Pintura argentina: Lino Eneas Spilimbergo

Florencio Molina Campos: El pintor del campo argentino

Florencio Molina Campos: El pintor del campo argentino Sus cuadros podrían ser reconocidos por cualquiera aunque no estuvieran firmados. Su manera de ver al hombre de campo hace de Molina Campos un pintor inconfundible, que se interesó por nuestras raíces, tradición y folclore. En sus obras dejó un testimonio que no se perdió con el paso del tiempo. Florencio fue un hombre simpático y de gran carisma, que se destacaba en las reuniones sociales. Tenía carácter fuerte y le encantaba la música clásica, que escuchaba mientras pintaba. Su vida Nació en Buenos Aires hace ya 115 años, el 21 de agosto de 1891. Su nombre completo era Florencio de los Ángeles Molina Campos. Estudió en los colegios La Salle, El Salvador y Nacional Buenos Aires. A los 9 años comenzó a dibujar paisajes, escenas y personajes camperos que había observado durante las vacaciones que pasaba con su familia. A los 16 años, tras la muerte de su padre, debió empezar a trabajar: fue empleado en el Correo, en la Sociedad Rural Argentina y en Obras Públicas. Su primera exposición fue recién en 1926, a los 35 años, en la Rural; y fue visitada ni más ni menos que por el Presidente de la Nación, Marcelo T. de Alvear, luego ferviente admirador. Un año después, expuso en la vieja Rambla de Mar del Plata, y en 1931 viajó a Europa para exponer en París. Fue el primero de muchos viajes, pues luego fue invitado por diferentes gobiernos como representante cultural argentino. En 1931 firmó contrato con la empresa Alpargatas para pintar los almanaques de cada año. Así lo hizo de 1931 a 1936 y de 1940 a 1945, conformando lo más difundido y lo más importante de su obra. Murió el 16 de noviembre de 1959, un año después de regresar de Estados Unidos, donde trabajó pintando para una empresa agrícola. En 1969 se constituyó la Fundación Molina Campos y en 1979 el museo dedicado a su memoria. Sus personajes Florencio era un gran observador del campo. Por eso se puede apreciar el gaucho con todos sus rasgos característicos (pies chuecos, boina sobre los ojos), las actividades del campo, la vestimenta de hombres y mujeres, sus ranchos, caballos y carretas, el mate y las tortafritas. Las expresiones y el aspecto físico del paisano son tomadas con humor por el pintor y es lo que le da la magia y particularidad a sus obras. Otra característica muy propia es que siempre ubica la línea del horizonte muy abajo, y la mayoría del fondo es del cielo. Sus personajes son los hombres de campo en sus tareas cotidianas, retratados de una manera optimista, sin resignación ni tristeza en sus rostros. Y así es como pasarán a la eternidad, a través de sus pinturas.http://www.revistaintercole.com.ar/contenidos-pequenias-biografias/florencio-molina-campos-el-pintor-del-campo-argentino-593/index.html

OBRAS DE FLORENCIO MOLINA CAMPOS

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Carlos Pablo Ripamonte

Carlos Ripamonte Carlos Ripamonte. Carlos Pablo Ripamonte (Buenos Aires, 4 de mayo de 1874 - Villa Ballester, 14 de agosto de 1968) fue un pintor argentino. Su formación, inicio en la docencia y la estadía en Italia[editar] Hijo de padre italiano y madre criolla, inició sus estudios artísticos con el retratista Juan Bautista Curet Cenet, y más tarde asistió al taller del pintor italiano Miguel Carmine. Allí, recibió las enseñanzas de la pintura de caballete y la decoración mural. Más tarde, a instancias de su maestro, ingresó en la academia de la Sociedad Estímulo de Bellas Artes (antecedente de la Asociación Nacional de Bellas Artes) donde tuvo por guías artísticos a Reynaldo Giudici, Ángel della Valle y Ernesto de la Cárcova. Allí dictó cátedra de Dibujo desde 1897 a 1899. Entre 1894 y 1898 participó en los Salones Anuales del Ateneo. En 1899, el Gobierno Nacional le otorgó una beca por concurso para continuar sus estudios en Europa. Instalado en Roma, Italia, abrió su taller y conoció al maestro Giulio Arístide Sartorio. Regreso a la Argentina[editar] A su regreso, Ripamonte ocupó el cargo de Secretario de la SEBA colaborando en los trabajos preliminares de su nacionalización en 1905 -donde también ejercería como profesor- así como también lo haría más tarde en la creación del Conservatorio Nacional de Música. Desde fines del siglo XIX, en Argentina se evidenciaron fuertes cambios políticos, sociales y económicos. Paralelamente y de acuerdo a esas transformaciones, se comenzó a organizar el campo artístico local. Las innovaciones estéticas que al volver de Europa trajeron algunos artistas generaron una fuerte controversia en torno a la identidad del arte nacional. Ripamonte se posicionó en esa polémica como defensor de las tradiciones y del proyecto nacionalista legitimado por el poder cultural de la época. Como consecuencia de esa postura, surgió el Grupo Nexus a principios del siglo XX, conformado por Cesáreo Bernaldo de Quirós, Fernando Fader, Ceferino Carnacini, Justo Lynch, Juan Peláez, Pío Collivadino, el escultor Antonio Dresco -entre otros-. La producción de la agrupación se caracterizó por la exaltación de la tradición, el folklore y las costumbres locales, utilizando un lenguaje cercano formalmente al impresionismo y adaptado al naturalismo académico aprendido en el viejo continente. En 1907, Ernesto de la Cárcova dejó su cargo como vice-director de la Academia Nacional de Bellas Artes. Ripamonte lo sucedió de 1908 a 1928. En 1910 tuvo lugar la Exposición Internacional del Centenario, donde se mostró una cantidad considerable de obras, entre pintura, grabado, arquitectura y artes modernas. Argentina participó con 235 trabajos de diferentes artistas, y los integrantes del Grupo Nexus ocuparon un lugar destacado: Ripamonte fue distinguido con el "Primer Premio" en la sección "Cuadros costumbristas", por su óleo Canciones del pago. Envío sus obras al Salón Nacional desde 1911 y a otras muestras oficiales de la Argentina. Realizó exposiciones individuales en Galería Witcomb, Müller, Salón Mar del Plata; Salón Santa Fé, Bahía Blanca, Tres Arroyos, etc. Durante esos años, escribió en la revista Athinae (de Mario A. Canale) una fervorosa defensa del arte nacional y del personaje del gaucho. Junto al Perito Moreno y otras destacadas figuras fundó el 4 de julio de 1912 la Asociación de Boy Scouts Argentinos. Semblanza artística[editar] En sus obras, el artista supo detenerse en un minucioso estudio de los caracteres del hombre de campo realizando composiciones de gran calidad que reflejan los diferentes tipos criollos. Conocedor de las formas y poseedor de una gran habilidad para el dibujo, se dedicó tanto a estructurar como a disolver la figura mediante los efectos de color. Años posteriores[editar] Sin descuidar su actividad artística, ejerció al mismo tiempo la docencia y continuó ocupando diversos cargos: fue presidente de la "Asociación Estímulo de Bellas Artes" y miembro de la Comisión Nacional de Bellas Artes. En 1928 ocupó la dirección de la ENBAPP y fue director de la Escuela Superior de Bellas Artes de la Nación Ernesto de la Cárcova, hasta 1931. Dictó la cátedra de Pintura y Dibujo en la FADU; profesor de Dibujo de Ornato aplicado a la Arquitectura en la Facultad de Ciencias Exactas, Físicas y Naturales de la Universidad Nacional de Buenos Aires, hasta su jubilación en 1942. Publicó numerosos artículos sobre arte, la obra Datos de la historia artística argentina y una Autobiografía. Residió buena parte de su vida en Villa Ballester, en la zona norte del Gran Buenos Aires, al igual que su discípulo y colega Ceferino Carnacini. Su casona y atelier aún se conserva y actualmente es ocupada por sus descendientes. Su obra figura en museos nacionales, provinciales y en destacadas colecciones particulares. Exposiciones de su obra[editar] Ripamonte ha figurado en la exposición Obras de arte argentino desde Pueyrredón hasta nuestros días (1940); 100 años de Arte Rioplatense (Buenos Aires, 1947); La pintura y escultura argentina de este siglo (Buenos Aires, 1952-1953), y otras de carácter internacional. Del 9 al 30 de mayo de 2008 se llevó a cabo en el Museo Casa Carnacini de Villa Ballester la exposición "Ripamonte, el último romántico".1Wikipedia ALGUNAS DE SUS OBRAS

Fauvismo

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"ANTONIO BERNI POR OSCAR VALMONT". 3D. HD. "ARTE ARGENTINO CONTEMPORANEO".

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Arte Argentino 1920 - 1950

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Pintura argentina: Lino Eneas Spilimbergo

Lino Eneas Spilimbergo

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/spilimbergo.htm

(Lino Eneas o Enea Spilimbergo; Buenos Aires, 1896 - Unquillo, 1964) Pintor argentino. Recibió las primeras lecciones de dibujo en la Escuela Industrial de la calle Salguero y, en 1915, ingresó en la Escuela Nacional de Bellas Artes, en aquel tiempo Academia. Cinco años más tarde ya tenía su título de profesor. Su formación clásica influyó en el estilo realista de sus primeros paisajes y escenas costumbristas; posteriormente entraría a formar parte del movimiento de renovación impulsado por la revista Martín Fierro. Lino Spilimbergo En 1925 expuso en el Salón Nacional de Bellas Artes, donde resultó laureado con el premio único al mejor conjunto con las obras Vieja uyutana, Descanso, El ciego y Paisaje andino. El citado premio posibilitó su primer y anhelado viaje a Europa, que le permitiría ampliar su formación artística en Alemania, Italia y Francia. En ese mismo año obtuvo el Segundo Premio de Pintura en el Tercer Salón Libre de Otoño de La Plata y expuso en el primer Salón Universitario Anual de dicha ciudad. En 1926 se trasladó a vivir a París, donde estudió con André Lothe, quien influyó poderosamente en su obra. Un año más tarde, y sin interrupción hasta 1943, comenzó a exponer en todos los Salones Nacionales. Desde 1935 fue profesor de la Academia Nacional de Bellas Artes. En 1937 su trayectoria mereció un doble reconocimiento: obtuvo el primer premio del Salón Nacional argentino y la medalla de oro del grabado y el gran premio de pintura de la Exposición Internacional de París. Consagrado como uno de los maestros de la escuela pictórica de su país, ejerció una intensa labor pedagógica desde su cargo de director del Instituto de Artes de la Universidad de Tucumán. La planchadora (1936), de Lino Spilimbergo De aparente filiación neoclásica, la obra de Lino Spilimbergo resulta sólidamente sostenida por el dibujo y por una visión plástica que parece propia de un escultor. Sus creaciones transparentan también otras novedades: la visión cubista del constructivismo de Cézanne y ciertos ecos de los pintores metafísicos italianos y del surrealismo. Estos rasgos constituyen, junto a un poderoso equilibrio estructural, las características de este gran maestro de la corriente figurativa de la pintura moderna argentina que, aunque abierto a todas las tendencias de vanguardia, se centró siempre en el tratamiento de la realidad cotidiana, e hizo de la figura humana y el paisaje sus temas principales. Terraza (1931), La planchadora (1936), Paisaje de Chilecito (1941) o La Chacra (1944) son algunas de sus telas más conocidas. TELAM 12 AGOSTO (1896)Siguiente ARTISTA PLÁSTICO Nace Lino Spilimbergo Notable pintor, grabador y dibujante, considerado uno de los grandes maestros de la pintura argentina, falleció el 16 de mayo de 1964 en la localidad cordobesa de Unquillo.

TOMADAS DE LA PÁGINA: Mirífico/art - Amparo Estevez Saviza

Mirífico/art - amparo estevez saviza compartió la foto de William Stoehr Art.

Mirífico/art - amparo estevez saviza compartió la foto de Vladimir Volegov.

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MIRÍFICO ART

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Marc Chagall ( Nombre de nacimiento: Mark Zajárovich Shagálov )

Marc Chagall Chagall France 1921. Nombre de nacimiento Mark Zajárovich Shagálov Nacimiento 7 de julio de 1887 Bandera de Rusia Vítebsk, Bielorrusia, Imperio Ruso Fallecimiento 28 de marzo de 1985 (97 años) Bandera de Francia Saint-Paul de Vence, Francia Nacionalidad bieloruso, ruso Gran Cruz de la Legión de Honor Premio de la Fundación Wolf de las Artes Premio Erasmus Firma Signature of Marc Chagall on 1948 lithograph.jpg [editar datos en Wikidata] Marc Chagall (Moishe Segal, ídish—מארק שאגאל; o Mark Zajárovich Shagal, ruso—Марк Захарович Шагал; Vítebsk, Imperio Ruso, 7 de julio de 1887 - Saint-Paul de Vence, Francia, 28 de marzo de 1985) fue un pintor francés de origen bielorruso. Nació en Vítebsk (Bielorrusia) y era el mayor de nueve hermanos provenientes de una familia de judíos. Su nombre natal fue Moishe Segal (Мойше Сегал) o Movsha Jatskélevich Shagálov (Мовшa Хацкелевич Шагалов). El nombre de su madre era Felga-Ita. Fue uno de los más importantes artistas del vanguardismo y en su trabajo se encuentran resonancias de fantasías y sueños. En 1907, Marc Chagall se muda a San Petersburgo, donde se vinculó a la escuela de la Sociedad de Patrocinadores del Arte y lugar en el que estudió bajo la tutoría de Nikolái Roerich. Entre 1909 y 1911 estudió en la escuela de Elizaveta Zvántseva bajo la tutoría de Léon Bakst. Tras de hacerse conocido como artista dejó San Petersburgo, Rusia, para unirse a un grupo de artistas que se encontraban en el Barrio de Montparnasse, en París, Francia. En 1914 regresó a Vítebsk para casarse con su prometida, Bella Rosenfeld a quien había conocido en 1909. Al comenzar la Primera Guerra Mundial, Chagall permaneció en su pueblo natal. En 1915 se casó con Bella y el siguiente año tuvieron una hija a la que llamaron Ida. Profesores de la Escuela de Arte de Vítebsk. 1919. Sentados El Lisitski y Marc Chagall, 1º y 3º por la izda., respectivamente Chagall se volvería un participante activo en la Revolución rusa de 1917, por lo que fue nombrado Comisario de Arte para la región de Vítebsk, donde fundó la Escuela de Arte de Vítebsk en 1919. Sin embargo, debido a la carga burocrática del puesto de director en la Escuela y a las desavenencias con Kazimir Malévich, profesor de la Escuela, se mudó a Moscú en 1920 y luego a París en 1923. Con la ocupación alemana de Francia durante la Segunda Guerra Mundial y la deportación de los judíos a los campos de exterminio nazis, Marc Chagall tuvo que abandonar París. Con la ayuda del periodista estadounidense Varian Fry, se mudó a la Villa Air-Bel en Marsella antes de que Fry le ayudara a escapar de Francia, a través de España y Portugal. En 1941, los Chagall se instalaron en Estados Unidos. Algunos de sus trabajos más importantes son La aldea y yo (1911), El violinista verde (1923-1924, Museo Guggenheim, Nueva York), El cumpleaños (1915), Soledad (1933, Museo de Tel Aviv). Los cuadros de Chagall se han llegado a vender por más de 6 millones de dólares, y también sus litografías alcanzan un considerable valor. Cabe destacar su estancia en la Costa Brava, concretamente en la localidad de Tosa de Mar, donde pasó un par de veranos, en 1933 y 1934. Actualmente se conserva en el Museo Municipal de Tosa de Mar, la célebre obra titulada El violinista celeste. En 1964, por encargo de Charles de Gaulle Marc Chagall pintó el techo de la Ópera de París. En 1977, fue condecorado con la orden de Legión de Honor de Francia. En 1981, recibió el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén. Murió a la edad de 97 años y está enterrado en el pueblo de Saint-Paul de Vence, cerca de Niza, junto a su esposa Valentina Bródskaya (Vava) y su cuñado. Sus trabajos se pueden encontrar en la Ópera de París, la Plaza del Primer Banco Nacional en el centro de Chicago, la Metropolitan Opera House de Nueva York, la Catedral de Reims (Francia), la Catedral de Fraumünster en Zúrich (Suiza), y la Iglesia de San Esteban en Mainz (Alemania). El museo que lleva su nombre en Vítebsk fue fundado en 1997 en el edificio donde habitó su familia. Dicho museo solo tiene copias de su trabajo, pues durante los tiempos soviéticos fue considerado persona non grata y no se reunieron ejemplares de sus obras. En 1978, el pintor hispano-argentino Enrique Sobisch realiza con gran éxito, en Buenos Aires, una exposición de más de 100 obras en homenaje a Chagall, que este agradece personalmente. La editorial barcelonesa Acantilado publicó en 2004 su libro de memorias,1 escrito originalmente en ruso y publicado en París en 1931 en traducción de su esposa, Bella Chagall. Obras de Chagall en España[editar] Tradicionalmente poco conocido por el coleccionismo español, Chagall cuenta ahora con una relevante presencia en España, principalmente por la apertura del Museo Thyssen-Bornemisza en Madrid (cuatro óleos, fechados entre 1913 y la década de los 30). Además de la citada pintura en Tosa de Mar, hay otras dos (ambas bodegones de flores) en Madrid (Palacio de Liria, Colección de la Casa de Alba) y Galicia (colección de Novacaixagalicia). Arte de Chagall[editar] Artículo principal: Anexo:Obras de Marc Chagall Marc Chagall se inspiró en las costumbres de la vida en Bielorrusia e interpretó muchos temas bíblicos, reflejando así su herencia judía. En los años 1960 y 1970 se involucró en grandes proyectos destinados en espacios públicos o en importantes edificios civiles y religiosos. La obra de Chagall está conectada con diferentes corrientes del arte moderno. Formó parte de las vanguardias parisinas que precedieron la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, su obra se queda siempre en los límites de estos movimientos y tendencias emergentes, incluyendo el cubismo y el fauvismo. Estuvo muy conectado con la Escuela de París y sus exponentes, como Amedeo Modigliani. En sus obras abundan las referencias a su niñez, aún al precio de evitar las problemáticas experiencias que después vivió. Sus obras comunican la felicidad y el optimismo a aquellos que las observan mediante intensos y vívidos colores. Chagall gustaba de colocarse a sí mismo, a veces junto con su mujer, como observador del mundo, un mundo de colores visto a través de un vitral. Muchos consideran que La crucifixión blanca (y sus ricos e intrigantes detalles) es una denuncia del régimen de Stalin, del holocausto nazi y de toda la opresión contra los judíos. Chagall cultivó durante más de ochenta años un arte inspirado en el amor, los recuerdos, las tradiciones rusas y judías, los acontecimientos históricos o los hitos artísticos de los que fue testigo y, en muchas ocasiones, protagonista.WIKIPEDIA

Retrospectiva de Marc Chagall en Madrid

A MI ESPOSA- MARC CHAGALL

MARC CHAGALL - EL PINTOR DE LA ESPERANZA

MARC CHAGALL, su obra

INVENTARIO : Antonio PUJIA (Parte 3)

INVENTARIO : Antonio PUJIA (Parte 2)

INVENTARIO : Antonio PUJIA (Parte 1)

23 ESCULTURAS MUTANTES SEGUN ANTONIO PUJIA ENTREVISTADO POR EL PROF JUA...

28 POR QUE HAY MENOS ESCULTORES SEGUN ANTONIO PUJIA ENTREVISTADO POR EL ...

31 EL NATURALISMO Y EL ARTE ABSTRACTO SEGUN ANTONIO PUJIA ENTREVISTADO ...

30 LOS GRANDES ESCULTORES SEGUN ANTONIO PUJIA ENTREVISTADO POR EL PROF ...

Antonio Pujia - Escultor

Antonio Pujía-Esculturas

GOMEZ CANLE, el pintor argentino que sorprende al mundo

GOMEZ CANLE, el pintor argentino que sorprende al mundo FUENTE: http://www.infobae.com/2015/05/28/1731736-gomez-canle-el-pintor-argentino-que-sorprende-al-mundo

LIFESTYLE BY MUSTIQUEJUEVES 28 DE MAYO 2015 Gómez Canle, el pintor argentino que sorprende al mundo Supo siempre que quería ser artista pero para lograr vivir de ello, trabajó hasta de cocinero en un bar. Ya consagrado, revela por qué entiende como lógica a la fusión lo moderno con lo antiguo. Nació en 1972, en Buenos Aires. A mediados de los años 90 se especializó en pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y hacia el año 2000 comenzó a exponer sus primeras pinturas, videos y objetos, en el país y en el exterior. La obra de este argentino desconcierta y al mismo tiempo emociona. Desconcierta, porque en sus trabajos pueden observarse influencias clásicas: la profundidad de sus paisajes, la conformación de la figura y la atmósfera; y emociona, porque pequeñas pero punzantes rebeldías pictóricas instalan sus obras como un interesante ensayo de modernidad. Gómez Canle / Mustique Lo antiguo con lo nuevo: para Gómez Canle eso es el misterio. De esta manera y bajo esta premisa, el pintor instala robots en paisajes que parecen los de algunos pintores renacentistas o configura piezas del juego digital Tetris entre bosques y ríos apacibles. Antes de dedicarse por completo a la pintura, Gómez Canle intentaba simplemente sobrevivir. Uno de los trabajos que le permitía ganar algún dinero era el de escenógrafo para shoppings y parques de diversiones. Sin embargo, la demanda no era continua y comenzó a cocinar en el bar de FM la tribu. Allí debía preparar al menos quince platos por día. Taxistas, rockeros, militantes políticos, locutores y poetas: demasiadas personas acudían a comer en el bar donde Max cocinaba y lavaba copas. Entre la cocina y las pinturas, tras su primera muestra individual en 2005, el joven pintor por fin logró involucrarse en el difícil ámbito de las galerías. Actualmente, su nombre resuena entre apasionados coleccionistas y sus trabajos se incluyen entre los principales compendios del arte contemporáneo. Armonía o contradicción Gómez Canle recrea atmósferas pictóricas por medio de la unión contrapuesta de diferentes elementos. En este sentido, su obra se acerca a aquella definición de la paradoja literaria: "la unión de sentidos aparentemente opuestos que generan un significado global mayor". Gómez Canle / Mustique Paisajes renacentistas, geometría y trash digital. El efecto es demoledor: dos robots observan una campiña que se asemeja mucho a la Toscana, o una ventana de forma peculiar que se abre hacia cuevas antiguas y abandonadas. A las técnicas tradicionales de pintura y soporte, Max sumó programas en 3D y Photoshop. "La pintura ya no funciona como una ventana virtual, en cambio se transformó en un cuadro que avanza sobre la realidad y, por lo tanto, es necesariamente un objeto", aseguró y siguió explicando: "Yo no concibo una pintura que no esté elaborada conceptual o técnicamente de alguna manera, que no esté pintada o tratada con algún material. La pintura nunca es un plano. Para mí, el atrás puede formar parte como el adelante." ¿Cuáles creés que son tus principales inspiraciones? Supongo que mi principal inspiración proviene del arte, de la historia de las artes visuales. Y la historia del arte para mí incluye hasta el mismo día de ayer. Las imágenes generadas por la humanidad son mi medio más comprensible, la forma más esclarecedora de relacionarme con el mundo, por lo tanto mi imaginario está hecho de imágenes y me expreso recombinándolas en un intento de conexión con este mundo que no comprendo, con su lado más misterioso. Gómez Canle / Mustique ¿Qué artistas te marcaron más? Los artistas que más influyeron en mí son aquellos que trabajaron en el mismo sentido, con la misma sensibilidad que la mía: la creencia de que el arte debe lidiar con las preguntas más profundas que somos capaces de formular. Para mí, Vermeer, Balthus, Tarcovsky, De Chirico, Messiaen, Aizemberg, Borges, Lozza, son algunos de los referentes que considero geniales. Tus pinturas comunican atmósferas, misterio, contrastes también. ¿Existe un mensaje en tu obra? No creo que mis obras puedan entregar un mensaje en mano, por decirlo de alguna manera, pero sí hay una pretensión de mi parte, y trato de habilitar la experiencia, contemplativa en el caso de mis obras, y que ésta genere el mensaje en el espectador. Entonces el lenguaje no actúa nunca como limitante. ¿Qué relación tenés con la naturaleza? La naturaleza es para mí el gran sistema y tengo con ella una relación contradictoria. Quisiera estar siempre rodeado de sus formas más puras y sin embargo vivo en Buenos Aires, encerrado en mi estudio, pintando árboles, montañas y nubes e intentando metaforizar sus grandes fuerzas. Gómez Canle / Mustique ¿Qué materiales utilizás para pintar y como soporte? Además de nutrirme de las imágenes creadas por otros, me interesan mucho los distintos materiales involucrados en la pintura, la historia tecnológica de la pintura y su condición objetual. Creo que la práctica de los distintos oficios genera pensamientos creativos particulares: cuando dibujo se me ocurren cosas que se completan con pensamientos generados al preparar y lijar una madera o al manipular un modelo en un software de 3D. En general uso óleos para pintar ya que después de 500 años de historia e investigación ofrece muchas opciones y combinatorias. Otro aspecto fundamental son los soportes, la otra mitad de un cuadro, y me interesa variar sus formas y materiales, a veces, la tradicional tela y otras, cobre o madera. ¿En cuánto tiempo terminás una obra? El tiempo de realización de una obra es muy difícil de establecer porque todas son distintas y también porque trabajo en varias al mismo tiempo, pero el promedio es de dos por mes, más o menos.

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DIFERENTES EXPOSITORES DE LA PÁGINA: Mirífico/art

Mirífico/art - amparo estevez saviza Sitio web personal : https://www.facebook.com/pages/Mir%C3%ADficoart-amparo-estevez-saviza/588895191220906

- Imperio Azteca IA 17 de octubre de 2013 · Grafito con vector. *************************************************************************

- Pinturas gaston m sampellegrini‎Obras de Arte 27 de abril · Acrilico s/tela medidas:45 x 35 cm Titulo: "EXTRAÑO DIA" *************************************************************************

- Bryan Holland Arts 23 de abril · Fox, WIP, detail, oil on cradled panel. *************************************************************************

- Lluis Lazaro Lopez 25 de abril · APUNTE PARA OBRA MAYOR. OLEO SOBRE TELA. ************************************************************************

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CIRUELO CABRAL - Escritor, autor, ilustrador y pintor (Ver abajo vídeos que completan la información)

Ciruelo Cabral Ciruelo Cabral Ciruelo.JPG Nacimiento 20 de julio de 1963 Buenos Aires Nacionalidad Argentina Ocupación Escritor, autor, ilustrador y pintor Sitio web http://www.dac-editions.com/index.htm [editar datos en Wikidata] Gustavo Cabral, más conocido como Ciruelo (Ciudad de Buenos Aires 20 de julio de 1963), es un artista argentino del rubro fantástico, especializado en dragones. Actualmente es reconocido a nivel mundial como uno de los más importantes ilustradores y referentes del Fantasy Art o Fantasía Épica, género que representa una temática básicamente mágica o sobrenatural. Es además el creador y desarrollador de la técnica de petropictos, en la cual dibuja o pinta sobre piedras sin alterar su forma original, encontrando figuras en ellas y logrando así una particular escultura. Ciruelo dibujando y firmando en la Feria del Libro de Fráncfort de 2007 Nació en Buenos Aires, Argentina el 20 de julio de 1963. Desde pequeño pasaba varias horas del día dibujando. Le fascinaban los comics, la literatura y el cine fantástico. Así fue como, a los 13 años de edad, se inició formalmente en el arte en el Instituto Fernando Fader de Buenos Aires, en el estudio de diseño publicitario e información. Después de su capacitación, a los 18 años, comenzó a trabajar para una compañía gráfica de publicidad llamada Vocación hasta los veintiún años, edad en la que se convirtió en ilustrador independiente. En parte se ha inclinado hacia la pintura fantástica en busca de libertad para la elección de colores, ya que es daltónico; usualmente es su esposa Daniela quien le ayuda en la elección de los colores de sus ilustraciones.1 En 1987 viajó a España con su mujer, y se establecieron en Sitges, provincia de Barcelona. Allí trabajó para editores de España, Inglaterra, Estados Unidos y Alemania, a través de los cuales transmitió su trabajo a todo el mundo: realizó las portadas de la trilogía Chronicles of the Shadow War, escrita por el director de cine George Lucas. Ilustró portadas de álbumes de rock, tales como The 7th Song de Steve Vai, realizó imágenes para las Cartas Magic editadas por Wizards of the Coast, trabajó para Berkley Publishing Group, Tor Books, Warner Books, Ballantine, las revistas Heavy Metal, Playboy, etc. También gusta componer música, que en algunas de sus exhibiciones puede escucharse como música de fondo Padre de dos hijos, admite que prefiere no tener aparatos de televisión en su casa ni juegos electrónicos.2 El 2 de mayo de 2011 Ciruelo fue declarado Personalidad Destacada de la Cultura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, el acto de entrega del diploma se realizó en el Salón Dorado de la Legislatura porteña. Obras Ha publicado siete libros con sus dibujos: Ciruelo (1990): editado por Paper Tiger. El Libro del Dragón (1990): dedicó ocho meses en su ilustración para la editorial Timun Mas. Posteriormente, fue reeditado por Paper Tiger y traducido a al menos cinco idiomas. Luz, el Arte de Ciruelo (1997): compilación de más de 160 ilustraciones a color y varios dibujos a lápiz distribuidos en 128 páginas. Magia, the Ciruelo Sketchbook (2000): con bocetos y dibujos a lápiz y tinta. Cuaderno de viajes de Ciruelo, Notebooks (2005) Hadas y dragones (2008): también tiene una edición en inglés llamada "Fairies and Dragons". El Gran Libro del Dragón (2010): versión digital disponible solo para iPad de Apple. Recientemente ha diseñado el dragón para la película George and The Dragon, en Luxemburgo; expuso su muestra de Ilustraciones y Petropictos en Milán, Barcelona, Pekín, Estados Unidos y Buenos Aires; realizó dos pinturas para la colección personal de George Lucas con temática de su primer película THX 1138, tapas para la revista Heavy Metal, y el arte del disco The Ellusive Light & Sound de Steve Vai y creó a "Saphira" dragona de Eragon. Petropictos En 1985, después de escalar los Andes, le llevó una rara piedra como regalo a un amigo español. El hecho de haber querido escribir en ella una dedicatoria con tinta derivó en un nueva técnica creada por él: los petropictos, consistente en dibujar animales y seres mitológicos en piedras como esculturas. Rescata la forma de la piedra y aprovecha su relieve natural, marcas y texturas. Así logra un efecto tridimensional: al observarlas parecen talladas, pero son sólo dibujos. Con pocos trazos logro un efecto tridimensional. Pero a diferencia de las pinturas, no me considero el autor de estas obras. Soy un canal; existe un diálogo entre la piedra y yo. Muchas personas lloran al verlas; no por mi trabajo, sino porque reconocen que tienen la misma habilidad. Después, ellos también ven cosas. Su percepción cambió para siempre. Ciruelo Cabral, 19 de enero de 20053 Referencias Volver arriba ↑ «Entrevista al artista plástico Ciruelo». Página/12. 4 de mayo de 2008. Volver arriba ↑ Declaraciones al programa argentino de televisión por cable Fusión Crear, en el canal Magazine del 14/4/2009 Volver arriba ↑ A favor de los dragones, lo onírico y la distorsión Diario La Nación (Argentina), 19 de enero de 2005 Enlaces externos Colabora en Commons. Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Ciruelo Cabral. Sitio oficial Sitio No oficial Biografía y Dibujos Entrevistas Ciruelo Cabral en *RealityEnds Ciruelo Pintando "Fantasia Ancestral", la música de fondo es un tema de él Categorías: Nacidos en 1963Pintores de Argentina del siglo XXIPorteñosDibujantes de historietas de ArgentinaArtistas de Argentina-WIKIPEDIA

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