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Marc Chagall ( Nombre de nacimiento: Mark Zajárovich Shagálov )

Marc Chagall Chagall France 1921. Nombre de nacimiento Mark Zajárovich Shagálov Nacimiento 7 de julio de 1887 Bandera de Rusia Vítebsk, Bielorrusia, Imperio Ruso Fallecimiento 28 de marzo de 1985 (97 años) Bandera de Francia Saint-Paul de Vence, Francia Nacionalidad bieloruso, ruso Gran Cruz de la Legión de Honor Premio de la Fundación Wolf de las Artes Premio Erasmus Firma Signature of Marc Chagall on 1948 lithograph.jpg [editar datos en Wikidata] Marc Chagall (Moishe Segal, ídish—מארק שאגאל; o Mark Zajárovich Shagal, ruso—Марк Захарович Шагал; Vítebsk, Imperio Ruso, 7 de julio de 1887 - Saint-Paul de Vence, Francia, 28 de marzo de 1985) fue un pintor francés de origen bielorruso. Nació en Vítebsk (Bielorrusia) y era el mayor de nueve hermanos provenientes de una familia de judíos. Su nombre natal fue Moishe Segal (Мойше Сегал) o Movsha Jatskélevich Shagálov (Мовшa Хацкелевич Шагалов). El nombre de su madre era Felga-Ita. Fue uno de los más importantes artistas del vanguardismo y en su trabajo se encuentran resonancias de fantasías y sueños. En 1907, Marc Chagall se muda a San Petersburgo, donde se vinculó a la escuela de la Sociedad de Patrocinadores del Arte y lugar en el que estudió bajo la tutoría de Nikolái Roerich. Entre 1909 y 1911 estudió en la escuela de Elizaveta Zvántseva bajo la tutoría de Léon Bakst. Tras de hacerse conocido como artista dejó San Petersburgo, Rusia, para unirse a un grupo de artistas que se encontraban en el Barrio de Montparnasse, en París, Francia. En 1914 regresó a Vítebsk para casarse con su prometida, Bella Rosenfeld a quien había conocido en 1909. Al comenzar la Primera Guerra Mundial, Chagall permaneció en su pueblo natal. En 1915 se casó con Bella y el siguiente año tuvieron una hija a la que llamaron Ida. Profesores de la Escuela de Arte de Vítebsk. 1919. Sentados El Lisitski y Marc Chagall, 1º y 3º por la izda., respectivamente Chagall se volvería un participante activo en la Revolución rusa de 1917, por lo que fue nombrado Comisario de Arte para la región de Vítebsk, donde fundó la Escuela de Arte de Vítebsk en 1919. Sin embargo, debido a la carga burocrática del puesto de director en la Escuela y a las desavenencias con Kazimir Malévich, profesor de la Escuela, se mudó a Moscú en 1920 y luego a París en 1923. Con la ocupación alemana de Francia durante la Segunda Guerra Mundial y la deportación de los judíos a los campos de exterminio nazis, Marc Chagall tuvo que abandonar París. Con la ayuda del periodista estadounidense Varian Fry, se mudó a la Villa Air-Bel en Marsella antes de que Fry le ayudara a escapar de Francia, a través de España y Portugal. En 1941, los Chagall se instalaron en Estados Unidos. Algunos de sus trabajos más importantes son La aldea y yo (1911), El violinista verde (1923-1924, Museo Guggenheim, Nueva York), El cumpleaños (1915), Soledad (1933, Museo de Tel Aviv). Los cuadros de Chagall se han llegado a vender por más de 6 millones de dólares, y también sus litografías alcanzan un considerable valor. Cabe destacar su estancia en la Costa Brava, concretamente en la localidad de Tosa de Mar, donde pasó un par de veranos, en 1933 y 1934. Actualmente se conserva en el Museo Municipal de Tosa de Mar, la célebre obra titulada El violinista celeste. En 1964, por encargo de Charles de Gaulle Marc Chagall pintó el techo de la Ópera de París. En 1977, fue condecorado con la orden de Legión de Honor de Francia. En 1981, recibió el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén. Murió a la edad de 97 años y está enterrado en el pueblo de Saint-Paul de Vence, cerca de Niza, junto a su esposa Valentina Bródskaya (Vava) y su cuñado. Sus trabajos se pueden encontrar en la Ópera de París, la Plaza del Primer Banco Nacional en el centro de Chicago, la Metropolitan Opera House de Nueva York, la Catedral de Reims (Francia), la Catedral de Fraumünster en Zúrich (Suiza), y la Iglesia de San Esteban en Mainz (Alemania). El museo que lleva su nombre en Vítebsk fue fundado en 1997 en el edificio donde habitó su familia. Dicho museo solo tiene copias de su trabajo, pues durante los tiempos soviéticos fue considerado persona non grata y no se reunieron ejemplares de sus obras. En 1978, el pintor hispano-argentino Enrique Sobisch realiza con gran éxito, en Buenos Aires, una exposición de más de 100 obras en homenaje a Chagall, que este agradece personalmente. La editorial barcelonesa Acantilado publicó en 2004 su libro de memorias,1 escrito originalmente en ruso y publicado en París en 1931 en traducción de su esposa, Bella Chagall. Obras de Chagall en España[editar] Tradicionalmente poco conocido por el coleccionismo español, Chagall cuenta ahora con una relevante presencia en España, principalmente por la apertura del Museo Thyssen-Bornemisza en Madrid (cuatro óleos, fechados entre 1913 y la década de los 30). Además de la citada pintura en Tosa de Mar, hay otras dos (ambas bodegones de flores) en Madrid (Palacio de Liria, Colección de la Casa de Alba) y Galicia (colección de Novacaixagalicia). Arte de Chagall[editar] Artículo principal: Anexo:Obras de Marc Chagall Marc Chagall se inspiró en las costumbres de la vida en Bielorrusia e interpretó muchos temas bíblicos, reflejando así su herencia judía. En los años 1960 y 1970 se involucró en grandes proyectos destinados en espacios públicos o en importantes edificios civiles y religiosos. La obra de Chagall está conectada con diferentes corrientes del arte moderno. Formó parte de las vanguardias parisinas que precedieron la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, su obra se queda siempre en los límites de estos movimientos y tendencias emergentes, incluyendo el cubismo y el fauvismo. Estuvo muy conectado con la Escuela de París y sus exponentes, como Amedeo Modigliani. En sus obras abundan las referencias a su niñez, aún al precio de evitar las problemáticas experiencias que después vivió. Sus obras comunican la felicidad y el optimismo a aquellos que las observan mediante intensos y vívidos colores. Chagall gustaba de colocarse a sí mismo, a veces junto con su mujer, como observador del mundo, un mundo de colores visto a través de un vitral. Muchos consideran que La crucifixión blanca (y sus ricos e intrigantes detalles) es una denuncia del régimen de Stalin, del holocausto nazi y de toda la opresión contra los judíos. Chagall cultivó durante más de ochenta años un arte inspirado en el amor, los recuerdos, las tradiciones rusas y judías, los acontecimientos históricos o los hitos artísticos de los que fue testigo y, en muchas ocasiones, protagonista.WIKIPEDIA

Retrospectiva de Marc Chagall en Madrid

A MI ESPOSA- MARC CHAGALL

MARC CHAGALL - EL PINTOR DE LA ESPERANZA

MARC CHAGALL, su obra

INVENTARIO : Antonio PUJIA (Parte 3)

INVENTARIO : Antonio PUJIA (Parte 2)

INVENTARIO : Antonio PUJIA (Parte 1)

23 ESCULTURAS MUTANTES SEGUN ANTONIO PUJIA ENTREVISTADO POR EL PROF JUA...

28 POR QUE HAY MENOS ESCULTORES SEGUN ANTONIO PUJIA ENTREVISTADO POR EL ...

31 EL NATURALISMO Y EL ARTE ABSTRACTO SEGUN ANTONIO PUJIA ENTREVISTADO ...

30 LOS GRANDES ESCULTORES SEGUN ANTONIO PUJIA ENTREVISTADO POR EL PROF ...

Antonio Pujia - Escultor

Antonio Pujía-Esculturas

GOMEZ CANLE, el pintor argentino que sorprende al mundo

GOMEZ CANLE, el pintor argentino que sorprende al mundo FUENTE: http://www.infobae.com/2015/05/28/1731736-gomez-canle-el-pintor-argentino-que-sorprende-al-mundo

LIFESTYLE BY MUSTIQUEJUEVES 28 DE MAYO 2015 Gómez Canle, el pintor argentino que sorprende al mundo Supo siempre que quería ser artista pero para lograr vivir de ello, trabajó hasta de cocinero en un bar. Ya consagrado, revela por qué entiende como lógica a la fusión lo moderno con lo antiguo. Nació en 1972, en Buenos Aires. A mediados de los años 90 se especializó en pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y hacia el año 2000 comenzó a exponer sus primeras pinturas, videos y objetos, en el país y en el exterior. La obra de este argentino desconcierta y al mismo tiempo emociona. Desconcierta, porque en sus trabajos pueden observarse influencias clásicas: la profundidad de sus paisajes, la conformación de la figura y la atmósfera; y emociona, porque pequeñas pero punzantes rebeldías pictóricas instalan sus obras como un interesante ensayo de modernidad. Gómez Canle / Mustique Lo antiguo con lo nuevo: para Gómez Canle eso es el misterio. De esta manera y bajo esta premisa, el pintor instala robots en paisajes que parecen los de algunos pintores renacentistas o configura piezas del juego digital Tetris entre bosques y ríos apacibles. Antes de dedicarse por completo a la pintura, Gómez Canle intentaba simplemente sobrevivir. Uno de los trabajos que le permitía ganar algún dinero era el de escenógrafo para shoppings y parques de diversiones. Sin embargo, la demanda no era continua y comenzó a cocinar en el bar de FM la tribu. Allí debía preparar al menos quince platos por día. Taxistas, rockeros, militantes políticos, locutores y poetas: demasiadas personas acudían a comer en el bar donde Max cocinaba y lavaba copas. Entre la cocina y las pinturas, tras su primera muestra individual en 2005, el joven pintor por fin logró involucrarse en el difícil ámbito de las galerías. Actualmente, su nombre resuena entre apasionados coleccionistas y sus trabajos se incluyen entre los principales compendios del arte contemporáneo. Armonía o contradicción Gómez Canle recrea atmósferas pictóricas por medio de la unión contrapuesta de diferentes elementos. En este sentido, su obra se acerca a aquella definición de la paradoja literaria: "la unión de sentidos aparentemente opuestos que generan un significado global mayor". Gómez Canle / Mustique Paisajes renacentistas, geometría y trash digital. El efecto es demoledor: dos robots observan una campiña que se asemeja mucho a la Toscana, o una ventana de forma peculiar que se abre hacia cuevas antiguas y abandonadas. A las técnicas tradicionales de pintura y soporte, Max sumó programas en 3D y Photoshop. "La pintura ya no funciona como una ventana virtual, en cambio se transformó en un cuadro que avanza sobre la realidad y, por lo tanto, es necesariamente un objeto", aseguró y siguió explicando: "Yo no concibo una pintura que no esté elaborada conceptual o técnicamente de alguna manera, que no esté pintada o tratada con algún material. La pintura nunca es un plano. Para mí, el atrás puede formar parte como el adelante." ¿Cuáles creés que son tus principales inspiraciones? Supongo que mi principal inspiración proviene del arte, de la historia de las artes visuales. Y la historia del arte para mí incluye hasta el mismo día de ayer. Las imágenes generadas por la humanidad son mi medio más comprensible, la forma más esclarecedora de relacionarme con el mundo, por lo tanto mi imaginario está hecho de imágenes y me expreso recombinándolas en un intento de conexión con este mundo que no comprendo, con su lado más misterioso. Gómez Canle / Mustique ¿Qué artistas te marcaron más? Los artistas que más influyeron en mí son aquellos que trabajaron en el mismo sentido, con la misma sensibilidad que la mía: la creencia de que el arte debe lidiar con las preguntas más profundas que somos capaces de formular. Para mí, Vermeer, Balthus, Tarcovsky, De Chirico, Messiaen, Aizemberg, Borges, Lozza, son algunos de los referentes que considero geniales. Tus pinturas comunican atmósferas, misterio, contrastes también. ¿Existe un mensaje en tu obra? No creo que mis obras puedan entregar un mensaje en mano, por decirlo de alguna manera, pero sí hay una pretensión de mi parte, y trato de habilitar la experiencia, contemplativa en el caso de mis obras, y que ésta genere el mensaje en el espectador. Entonces el lenguaje no actúa nunca como limitante. ¿Qué relación tenés con la naturaleza? La naturaleza es para mí el gran sistema y tengo con ella una relación contradictoria. Quisiera estar siempre rodeado de sus formas más puras y sin embargo vivo en Buenos Aires, encerrado en mi estudio, pintando árboles, montañas y nubes e intentando metaforizar sus grandes fuerzas. Gómez Canle / Mustique ¿Qué materiales utilizás para pintar y como soporte? Además de nutrirme de las imágenes creadas por otros, me interesan mucho los distintos materiales involucrados en la pintura, la historia tecnológica de la pintura y su condición objetual. Creo que la práctica de los distintos oficios genera pensamientos creativos particulares: cuando dibujo se me ocurren cosas que se completan con pensamientos generados al preparar y lijar una madera o al manipular un modelo en un software de 3D. En general uso óleos para pintar ya que después de 500 años de historia e investigación ofrece muchas opciones y combinatorias. Otro aspecto fundamental son los soportes, la otra mitad de un cuadro, y me interesa variar sus formas y materiales, a veces, la tradicional tela y otras, cobre o madera. ¿En cuánto tiempo terminás una obra? El tiempo de realización de una obra es muy difícil de establecer porque todas son distintas y también porque trabajo en varias al mismo tiempo, pero el promedio es de dos por mes, más o menos.

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